Life through a lens

Siccome in questo momento non ho voglia di studiare (capita), ho deciso di aggiornare un po’ il blog parlando di un paio di libri interessanti che sto leggendo in questo periodo. Ordinati entrambi su Amazon un paio di mesi fa, questi libri sono “The Photographer’s Eye” di Michael Freeman e “Mastering Landscape Photography”, di Alain Briot. Sono entrambi libri sulla composizione in genere, quindi niente tecnica.

Per quanto riguarda “The Photographer’s Eye”, non posso che parlarne bene: è un libro illuminante, fa capire moltissime cose sui differenti aspetti della composizione. I libro è diviso in diversi capitoli e corredato di numerose fotografie con annessa spiegazione. Inoltre, per molte di queste foto, c’è uno schema che ne mostra lo ‘scheletro’, ossia vengono evidenziate le linee e gli elementi lungo i quali l’occhio si muove. E in base al suo percorso si intercettano regioni dell’inquadratura differenti, con differenti proprietà. Lo consiglio vivamente, anche perché ho scoperto recentemente che esiste la versione italiana dal titolo ovvio, “L’occhio del fotografo”, Ed. Logos, anche se non so se sia esattamente uguale a quella inglese.

Il secondo libro in questione, “Mastering Landscape Photography”, è una sorta di vademecum per la fotografia di paesaggio. E’ un libro pensato per i paesaggisti seri, quelli che usano il medio formato a pellicola, anche se c’è un occhio di riguardo per i poveri mortali che usano banali reflex digitali. Dopo i soliti capitoli introduttivi, dove vengono spiegate un po’ le ‘regole’ base della composizione, ci sono alcuni capitoli molto interessanti che analizzano le diverse condizioni di luce e per ognuna viene spiegato il modo migliore per valorizzarla. I capitoli finali sono dedicati alla carriera di un fotografo paesaggista, ovvero sul come sfruttare la passione per la fotografia di paesaggio per farla diventare un business.

Ultimamente mi sembra di aver (finalmente) trovato un modo quasi univoco per post-produrre le foto di paesaggi e lo voglio condividere con chi legge, affinché possiate dire la vostra (anche se penso che non lo farete).
La premessa che faccio è la seguente: scatto in RAW, con parametri in macchina di contrasto e saturazione a -1, gli altri a 0. Questo perché (1) con contrasto basso recupero informazioni sulle ombre e (2) voglio avere i colori più naturali possibile e aumentarne la saturazione con gli strumenti opportuni, molto più precisi. Detto questo, mostro un esempio piuttosto lampante del prima e del dopo.

I passi che ho seguito per arrivare alla foto finale non sono molto complessi, anzi, e sono quelli che sto usando ultimamente. Una sorta di workflow insomma. Allora procediamo.

1. Apro il mio RAW in ACR e qui regolo solamente il bilanciamento del bianco. Solitamente vado a cercare nell’immagine un punto in cui i valori dei canali R, G, e B sono uguali e si attestano su circa 230. In questo modo è come bilanciare su un grigio neutro al 18%, meglio di così non si può fare. In alternativa regolo la temperatura colore.

2. Apro l’immagine in Photoshop in modalità 16-bit, per avere più range nella gestione del colore (che raddoppia rispetto ad un’immagine a 8-bit). E qui iniziano le regolazioni serie.

3. Come prima cosa aggiusto i livelli, ovvero trascino i cursori come in Fig. 1.

FIG. 1 - Livelli

4. Poi passo alle Curve: a seconda dell’occorrenza opero una curva ad S per aumentare il contrasto seguita o preceduta da una per aumentare o diminuire la luminosità.

5. A questo punto, unisco tutti i livelli creati e vado su Immagine/Metodo e scelgo Colore LAB. Il mio intento adesso è quello di estrarre tutte le informazioni possibili dai colori. Nel metodo LAB, duplico il livello dello sfondo, poi vado su Immagine/Regolazioni e Curve. Qui, invece dei canali R, G, B ci sono i canali Luminosità, a, b. Al primo canale applico una curva ad S, mentre agli altri due agisco come in Fig. 2. L’importante è che la linea deve passare per il centro, altrimenti ci sono sbilanciamenti di colore.

FIG. 2 - Curve LAB

6. Non mi preoccupo se l’immagine è troppo satura o se ci sono parti i cui colori sono esagerati. Tanto sto lavorando su un livello dedicato. Ora ritorno al metodo RGB e alla domanda se voglio unire i livelli gli dico di no, altrimenti perderei le modifiche. Ora posso tranquillamente fare tutte le operazioni che voglio. Troppo satura? Bene, diminuisco l’opacità del livello. Ci sono parti che voglio mantenere con il colore di prima (solitamente il cielo viene sempre male)? Benissimo, vado su Livello, e applico una maschera di livello (io scelgo solitamente quella Mostra Tutto) e poi con il pennello dipingo le parti a cui NON VOGLIO applicare la regolazione (pennello nero). Se scegliessi la maschera Nascondi Tutto, con il pennello dipingo le parti a cui VOGLIO applicare la regolazione (pennello bianco).

7. Quasi finito ma manca la ciliegina sulla torta. Perché di solito preferisco recuperare anche qualcosa dalle ombre e dalle luci. In Photoshop c’è una bellissima funzione chiamata Luci/Ombre che fa proprio al caso mio. Per avere una libertà maggiore, lavoro su un livello dedicato; quindi duplico lo sfondo e vado su Immagine/Regolazioni/Luci/Ombre e regolo i parametri a seconda del gusto personale. Da tenere presente che sto lavorando su un livello e che posso sempre applicare una maschera di livello per correggere selettivamente. Ad esempio, se il mio intento è aumentare la gamma dinamica delle ombre, quando avrò finito le correzioni, con il pennello bianco (quindi con la maschera nascondi tutto) vado a dipingere solo le parti in ombra.

8. Ultima cosa: lo sharpening. Ci sono tantissimi modi per rendere più nitida la foto. A seconda della nitidezza intrinseca dell’immagine prodotta dalla fotocamera, agisco in maniera diversa. Diciamo però che in linea di massima procedo così. Vado su Filtro/Contrasta e scelgo Contrasta Migliore. I parametri che uso sono quelli mostrati in Fig. 3., dove di volta in volta modifico il fattore di contrasto a seconda della grandezza dell’immagine. Per le foto a dimensioni originali non scendo sotto il 60%, mentre per foto ridimensionate sto sul 30%. Se voglio essere più preciso, dopo questo filtro applico anche un filtro Accentua Passaggio. Qui bisogna lavorare su un livello dedicato (al solito, duplico lo sfondo). Solitamente non alzo il raggio a più di 5 pixel, anzi diciamo che mi mantengo attorno a 1. Poi, regolata l’opacità come meglio mi aggrada, unisco i livelli con il metodo “sovrapponi” e il gioco è fatto.

FIG. 3 - Contrasta migliore

Full exif.

Nell’attesa di una bella giornata, sto facendo un po’ di test alla nuova lente. In particolare mi interessa capire se soffre di problemi/errori di messa a fuoco e valutare la nitidezza. Non sono mancate le sorprese. Ma andiamo per ordine.

Appena ricevuto l’obiettivo, ho eseguito il famoso “test delle tre pile”, che consiste nel misurare un possibile problema di front/back focus, ovvero se la messa a fuoco avviene dove dico io oppure davanti o dietro. In quella occasione non ho rilevato particolari errori, ma volevo sincerarmi comunque del buon funzionamento dell’obiettivo.
Così poco fa ho approfittato della giornata uggiosa e fatto alcune prove. Di seguito posto le immagini e poi ne traiamo le dovute conclusioni.
NOTA: per tutte le immagini che riportano la dicitura “AF”, significa che ho scattato usando l’autofocus impostato solamente sul punto centrale.
Immagine di riferimento, ovvero non croppata:

Dati: 10mm, f/8, ISO 200

Sì, alla fine mi è arrivato. Con un po' di peripezie devo dire: ordinato una decina di giorni fa da un negozio online ad un prezzo piuttosto interessante,  sono stato informato da un negozio fisico che da lunedì 02/02 i prezzi degli obiettivi Sigma sarebbero aumentati del 5-10%. Non avendo avuto la conferma dell'ordine presso il sito dal quale avevo ordinato, e con una certa paura per il successivo aumento dei prezzi, venerdì ho disdetto l'ordine e l'ho fatto presso un altro negozio online, ad un prezzo leggermente più alto.

Ho avuto subito la conferma dell'ordine e ieri ho ricevuto la mail di spedizione. Oggi pomeriggio, verso le 16, il corriere ha suonato al campanello e mi ha consegnato un pacco, ovviamente previo pagamento da parte mia. Ecco il contenuto del pacco:

Per ora ho solo fatto alcuni test sui problemi di front/back focus e sembra non essercene. Approfondirò alla luce del sole. L'importante è che ora ho la potenza dei 10mm. Non vedo l'ora di avere un po' di tempo libero e testare a fondo questa fantastica lente.

En passant, sta mattina mentre studiavo le SSP mi è venuto in mente che uno degli obiettivi della vecchia reflex a pellicola è un 50mm f/1.4. Strano che non mi sia venuto in mente prima. Sapete già di cosa parlo: macro a lente rovesciata. Ho quindi montato in il classico 18-55mm, regolato su circa 50mm e focheggiato all'infinito. Davanti ci ho piazzato il 50mm, sempre su infinito. Sorpresa: i due obiettivi si incastrano perfettamente, in quanto il diametro del 50mm è un po' più piccolo di quello del 18-55. Così ho settato il diaframma del 50 a 1.4, e manco a dirlo sta volta la luce era decisamente molta, assicurando così tempi di scatto di sicurezza e ISO bassi. Inoltre, tutto il sistema è decisamente meno pesante dell'accoppiata 55-250 + 18-55. Un prova? Eccola.

Questi fiorellini sono grandi mezzo centimetro al massimo, giusto per darvi l'idea.

Giornata fruttuosa oggi: lente macro praticamente gratis e ultrawide pagato il giusto. Praticamente due lenti al prezzo di una. 

Saluti.

Prima di iniziare a lavorare sulla foto, basta andare sulla paletta a sinistra e selezionare la paletta delle azioni; da qui, creare una nuova azione cliccando sul tasto in basso vicino a quello del cestino, e chiamarla con il nome che si desidera. Una volta creata, bisogna cliccare sul tasto Registra (il pallino rotondo) e da questo momento Ps registrerà ogni cosa che facciamo. Finito il lavoro, cliccare su Stop: ora abbiamo la nostra bella azione che fa tutto in automatico.
Chiaramente così facendo non abbiamo la possibilità di regolare finemente i parametri, ma possiamo farlo in un secondo momento andando a modificare i livelli di regolazione che sono stati creati dall'azione. Questo si può fare se si ha fermato la registrazione dell'azione prima di unire i livelli.
Questo è quanto.

Adattato da PhotoshopSupport.com.

Cavolo, quasi un mese senza un post. Chiedo perdono.

Comunque, in questo mese ho avuto qualche occasione per scattare un po' di foto in occasione del breve weekend a Genève. Nonostante avessi dietro praticamente tutta l'attrezzatura, di una cosa ho sentito particolarmente la mancanza: un bel flash potente. Quello incorporato nella macchina ha numero guida 13 (a ISO 100), il che vuol dire che se si scatta a soggetti distanti più di 5 metri, la foto viene scura. La soluzione sta quindi nel ricorrere ad un flash esterno con numero guida superiore a 13 (e ci vuol poco). Tutti però sappiamo il costo di questi flash, soprattutto quelli compatibili con le macchine digitali di oggi: essi hanno addirittura un esposimetro interno che lavora in concomitanza con quello della macchina, per fornire la giusta esposizione a tutti gli ISO e a tutte le lunghezze focali. Tutte queste caratteristiche fanno lievitare il prezzo di un flash a circa 200/250 euro. Decisamente troppi.

Ma perché cercare un flash nuovo quando se ne ha uno vecchio? Ho quindi recuperato il flash che uso con le macchine a pellicola e l'ho montato sulla digitale. Tale flash ha numero guida 24, quindi decisamente più potente di quello incorporato. Con sommo piacere ho scoperto che tale flash funziona e il lampo che emette è fin troppo potente. Siccome però non è compatibile con la macchina, non è possibile regolare la compensazione dell'esposizione, tanto meno sincronizzarlo sulla seconda tendina. Quindi il lampo che emette è in un certo senso fisso, per cui per regolare la luce bisogna per forza chiudere il diaframma.

Sta mattina ho fatto qualche altra prova e ho scoperto, ahimè, che l'emissione del lampo è arbitraria. Cioè il flash non si attiva sempre ma solo quando gli pare a lui. Ho notato inoltre che questo non dipende dalla luminosità dell'ambiente e nemmeno dal tipo di misurazione dell'esposizione. C'è dunque da risolvere anche questo problema.

John vuole delle foto. Ora come ora non ne ho. Voglio prima capire come risolvere il problema e poi fare un diffusore. Quando avrò terminato tutte queste operazioni posterò le foto. Anche perché devono essere fatte con un certo criterio, ovvero su treppiede, con soggetto e luce ambiente fissi e con tutti i tipi di flash (incorporato senza diffusore, con diffusore, esterno senza diffusore e con diffusore) in modo da apprezzarne la differenza. Non so quanto tempo richieda questo test, ma spero il meno possibile. Saluti.

Scattare fotografie di notte è più complicato di quanto non possa sembrare. Ci vuole una tecnica tutta particolare, molto diversa da quella per le foto di giorno. Ecco quindi alcuni punti da seguire per ottenere delle foto decenti - dal punto di vista tecnico - di notte.

1. No flash. Vi prego: basta con questi flash di notte. Non se ne può più. Di notte non si usa il flash, a parte in condizioni particolari come la ritrattistica e le foto a persone in generale. Ma se si deve fotografare una piazza, una chiesa, un monumento o altro, il flash deve restare assolutamente spento.
2. Il treppiede. La luce, di sera, è ovviamente poca e per far entrarne abbastanza bisogna prolungare l'esposizione. Anche se scattiamo a tutta apertura, i tempi di scatto sono sempre molto lunghi (tipicamente sopra il secondo). Quindi è ovvio che è obbligatorio l'uso di un cavalletto che sia il più stabile possibile, altrimenti il micromosso rovinerebbe tutto quanto.
3. ISO bassi. Molte fotocamere compatte, se usate in automatico, impostano un alto valore ISO (da 800 in su) per fare in modo da ridurre il tempo di posa. Tuttavia ci si rende subito conto che la foto appena scattata è affetta da una granulosità paurosa, che ovviamente dà fastidio e rovina tutto. Per evitare questi spiacevoli inconvenienti è opportuno abbassare il valore ISO a 100 oppure 80, se la fotocamera lo permette. In questo modo, però, si deve aumentare il tempo di posa e quindi serve un cavalletto.
4. Diaframmi. Con le reflex, per le quali è possibile regolare il diaframma dell'obiettivo, ci sono essenzialmente due possibilità. Se si fotografa con diaframmi aperti, le foto avranno meno profondità di campo e meno nitidezza. Le luci dei lampioni, inoltre, saranno delle sfere contornate da aloni di luce. Chiudendo i diaframmi (ad esempio f/18), la nitidezza aumenta molto e le luci dei lampioni saranno a forma di stelline. Solitamente le foto vengono meglio con i diaframmi chiusi, ma anche qui dipende dalle situazioni e dai gusti. E' chiaro che chiudendo il diaframma il tempo di posa deve aumentare.
5. Bilanciamento del bianco. Questo è un argomento molto delicato. Infatti, mentre di giorno la luce solare si può considerare bianca, di notte, invece, le luci artificiali sono tutt'altro che bianche. L'occhio umano, purtroppo, non se ne accorge e vede come se la luce fosse bianca (il cervello è un ottimo processore d'immagine). Ma i sensori e le pellicole non sono gli occhi, e si accorgono subito della non-neutralità della luce. La luce gialla dei lampioni e delle lampade fa sì che le foto vengano tutte con una dominante rossa e arancione, conseguenza della temperatura colore della luce gialla (circa 5000 K). Per risolvere il problema, si devono bilanciare i toni del grigio e del bianco. La soluzione sta nell'abbassare la temperatura colore sui 2500 K circa; questo si può fare direttamente in macchina se si scatta in JPEG, attestando il WB su "tungsteno" oppure regolando direttamente la temperatura colore, se la macchina lo permette. Se si scatta in RAW, la correzione da fare risulterà più precisa, grazie ai software dedicati, che permettono una vasta gamma di valori per la temperatura colore. Per rendervi conto dell'importanza del bilanciamento del bianco, vi mostro un esempio. È un particolare della Basilica di San Marco, scattato in RAW. Questo, quindi, è quello che il sensore ha visto:

Mentre questo è quello che l'occhio vedeva, cioè una volta corretto il WB:

Scrivo poco in questo periodo, perché in effetti ho poco tempo da dedicare alla fotografia. Spero comunque questa settimana di liberarmi e ho in programma diverse uscite dove sperimentare delle cose di cui ancora non ho parlato qui, ma che riguardano la composizione. Appena ho in mano qualcosa, la posterò.

Tuttavia non potevo nemmeno passare di qua senza scrivere niente. Così ho pensato di parlarvi un po' del cosiddetto effetto Dragan, chiamato così in quanto è un'invenzione di Andrzej Dragan. Guardando il suo portfolio, appare chiaro che si tratta solamente di una tecnica particolare di elaborazione fotografica con Photoshop, che fa apparire i ritratti molto più drammatici in quanto non siano in realtà. Personalmente non ritengo fotografia questo tipo di cose; le associo più alla grafica, ad elaborazioni grafiche di fotografie. Però mi piace un sacco questo effetto e quindi vi dico che anch'io mi sono cimentato nel provarlo.

Bene, e adesso veniamo alle prove del suddetto effetto. La prima è stata fatta seguento questo tutorial video molto ben fatto. E il risultato è questo.

Il mondo della fotografia macro è estremamente vasto. Anche l'ambiente quotidiano in cui viviamo offre moltissimi spunti sotto il punto di vista delle piccole cose - piccole inteso proprio nel vero senso del termine. Ma, ahimè, per muoversi agevolmente attraverso la giungla del mondo macro occorrono gli strumenti giusti, quali obiettivi macro, tubi di prolunga, flash anulari, filtri e chi più ne ha più ne metta. Spesso chi si avvicina per la prima volta al mondo della fotografia digitale - come il sottoscritto - non dispone di questi strumenti e quindi è limitato sotto questo punto di vista.
Tuttavia non è così. Infatti si possono sfruttare i princìpi dell'ottica geometrica per guidare la luce affinché si ottengano degli ingrandimenti piuttosto estremi. E tutto questo senza il bisogno di lenti macro. Tutto quello che serve è l'obiettivo fornito in kit e un altro a vostra scelta (ad esempio il 50mm f/1.8 da 80 euro è l'ideale). Ovviamente io non potevo esimermi dal provare questa tecnica.
Quello che ho fatto è stato di impostare manualmente il fuoco sui due obiettivi (ho usato il 55-250 montato in macchina e il 18-55) e metterlo all'infinito. Poi, ho preso il 18-55 e l'ho messo a contatto con il 55-250, in modo che l'attacco per la macchina fosse rivolto all'esterno. In pratica ho fatto combaciare le due estremità dei due obiettivi. Il 18-55 era cioè rovesciato, e per questo si parla di macro a lente rovesciata (revesed lens macro). Ho scattato in Av con apertura massima e ISO 1600. Ecco i risultati.
Ho preso come soggetto un tappo dell'obiettivo. Questa foto è stata fatta a 55 mm alla minima distanza di messa a fuoco con l'obiettivo in kit 18-55. In pratica questo è il massimo ingrandimento ottenibile con quella lente. Con il 55-250 veniva leggermente più grande ma non molto.

Poi ho montato il 55-250 regolato su 55 mm e gli ho attaccato davanti il 18-55 regolato anch'esso su 55. Ho puntato il tappo e ho ottenuto un bel ingrandimento.

Spaventoso eh? Alcune considerazioni:

Spero di poter sperimentare meglio questa tecnica, dato che si possono ottenere degli scatti con notevoli dettagli e particolari. La cosa migliore sarebbe disporre di un anello di rovesciamento, vedrò di procurarmente uno. Certo è che i risultati si notano eccome. Tenete presente che tutte le immagini sopra sono solo ridotte a 800 x 533, non sono tagliate. Quindi quello che vedete in piccolo lo si ha in risoluzione massima (che dipende ovviamente dal sensore).
Ma dove ho imparato questa tecnica? Beh, in internet ci sono molti tutorials a riguardo - basta cercare reverse lens macro - ma io ho preferito questo video. Tra l'altro è un sito fatto benissimo che seguo già da tempo, assieme a digital-photography-school.com.
Insomma, provate anche voi che mi sembra una bella cosa!