Life through a lens

Due libri interessanti

2009-08-29T15:52:00.003+02:00

Siccome in questo momento non ho voglia di studiare (capita), ho deciso di aggiornare un po’ il blog parlando di un paio di libri interessanti che sto leggendo in questo periodo. Ordinati entrambi su Amazon un paio di mesi fa, questi libri sono “The Photographer’s Eye” di Michael Freeman e “Mastering Landscape Photography”, di Alain Briot. Sono entrambi libri sulla composizione in genere, quindi niente tecnica.

Per quanto riguarda “The Photographer’s Eye”, non posso che parlarne bene: è un libro illuminante, fa capire moltissime cose sui differenti aspetti della composizione. I libro è diviso in diversi capitoli e corredato di numerose fotografie con annessa spiegazione. Inoltre, per molte di queste foto, c’è uno schema che ne mostra lo ‘scheletro’, ossia vengono evidenziate le linee e gli elementi lungo i quali l’occhio si muove. E in base al suo percorso si intercettano regioni dell’inquadratura differenti, con differenti proprietà. Lo consiglio vivamente, anche perché ho scoperto recentemente che esiste la versione italiana dal titolo ovvio, “L’occhio del fotografo”, Ed. Logos, anche se non so se sia esattamente uguale a quella inglese.

Il secondo libro in questione, “Mastering Landscape Photography”, è una sorta di vademecum per la fotografia di paesaggio. E’ un libro pensato per i paesaggisti seri, quelli che usano il medio formato a pellicola, anche se c’è un occhio di riguardo per i poveri mortali che usano banali reflex digitali. Dopo i soliti capitoli introduttivi, dove vengono spiegate un po’ le ‘regole’ base della composizione, ci sono alcuni capitoli molto interessanti che analizzano le diverse condizioni di luce e per ognuna viene spiegato il modo migliore per valorizzarla. I capitoli finali sono dedicati alla carriera di un fotografo paesaggista, ovvero sul come sfruttare la passione per la fotografia di paesaggio per farla diventare un business.

Workflow per foto di paesaggio

2009-06-19T12:01:00.005+02:00

Ultimamente mi sembra di aver (finalmente) trovato un modo quasi univoco per post-produrre le foto di paesaggi e lo voglio condividere con chi legge, affinché possiate dire la vostra (anche se penso che non lo farete).
La premessa che faccio è la seguente: scatto in RAW, con parametri in macchina di contrasto e saturazione a -1, gli altri a 0. Questo perché (1) con contrasto basso recupero informazioni sulle ombre e (2) voglio avere i colori più naturali possibile e aumentarne la saturazione con gli strumenti opportuni, molto più precisi. Detto questo, mostro un esempio piuttosto lampante del prima e del dopo.

PRIMA

DOPO

I passi che ho seguito per arrivare alla foto finale non sono molto complessi, anzi, e sono quelli che sto usando ultimamente. Una sorta di workflow insomma. Allora procediamo.

1. Apro il mio RAW in ACR e qui regolo solamente il bilanciamento del bianco. Solitamente vado a cercare nell’immagine un punto in cui i valori dei canali R, G, e B sono uguali e si attestano su circa 230. In questo modo è come bilanciare su un grigio neutro al 18%, meglio di così non si può fare. In alternativa regolo la temperatura colore.

2. Apro l’immagine in Photoshop in modalità 16-bit, per avere più range nella gestione del colore (che raddoppia rispetto ad un’immagine a 8-bit). E qui iniziano le regolazioni serie.

3. Come prima cosa aggiusto i livelli, ovvero trascino i cursori come in Fig. 1.

FIG. 1 - Livelli

4. Poi passo alle Curve: a seconda dell’occorrenza opero una curva ad S per aumentare il contrasto seguita o preceduta da una per aumentare o diminuire la luminosità.

5. A questo punto, unisco tutti i livelli creati e vado su Immagine/Metodo e scelgo Colore LAB. Il mio intento adesso è quello di estrarre tutte le informazioni possibili dai colori. Nel metodo LAB, duplico il livello dello sfondo, poi vado su Immagine/Regolazioni e Curve. Qui, invece dei canali R, G, B ci sono i canali Luminosità, a, b. Al primo canale applico una curva ad S, mentre agli altri due agisco come in Fig. 2. L’importante è che la linea deve passare per il centro, altrimenti ci sono sbilanciamenti di colore.

FIG. 2 - Curve LAB

6. Non mi preoccupo se l’immagine è troppo satura o se ci sono parti i cui colori sono esagerati. Tanto sto lavorando su un livello dedicato. Ora ritorno al metodo RGB e alla domanda se voglio unire i livelli gli dico di no, altrimenti perderei le modifiche. Ora posso tranquillamente fare tutte le operazioni che voglio. Troppo satura? Bene, diminuisco l’opacità del livello. Ci sono parti che voglio mantenere con il colore di prima (solitamente il cielo viene sempre male)? Benissimo, vado su Livello, e applico una maschera di livello (io scelgo solitamente quella Mostra Tutto) e poi con il pennello dipingo le parti a cui NON VOGLIO applicare la regolazione (pennello nero). Se scegliessi la maschera Nascondi Tutto, con il pennello dipingo le parti a cui VOGLIO applicare la regolazione (pennello bianco).

7. Quasi finito ma manca la ciliegina sulla torta. Perché di solito preferisco recuperare anche qualcosa dalle ombre e dalle luci. In Photoshop c’è una bellissima funzione chiamata Luci/Ombre che fa proprio al caso mio. Per avere una libertà maggiore, lavoro su un livello dedicato; quindi duplico lo sfondo e vado su Immagine/Regolazioni/Luci/Ombre e regolo i parametri a seconda del gusto personale. Da tenere presente che sto lavorando su un livello e che posso sempre applicare una maschera di livello per correggere selettivamente. Ad esempio, se il mio intento è aumentare la gamma dinamica delle ombre, quando avrò finito le correzioni, con il pennello bianco (quindi con la maschera nascondi tutto) vado a dipingere solo le parti in ombra.

8. Ultima cosa: lo sharpening. Ci sono tantissimi modi per rendere più nitida la foto. A seconda della nitidezza intrinseca dell’immagine prodotta dalla fotocamera, agisco in maniera diversa. Diciamo però che in linea di massima procedo così. Vado su Filtro/Contrasta e scelgo Contrasta Migliore. I parametri che uso sono quelli mostrati in Fig. 3., dove di volta in volta modifico il fattore di contrasto a seconda della grandezza dell’immagine. Per le foto a dimensioni originali non scendo sotto il 60%, mentre per foto ridimensionate sto sul 30%. Se voglio essere più preciso, dopo questo filtro applico anche un filtro Accentua Passaggio. Qui bisogna lavorare su un livello dedicato (al solito, duplico lo sfondo). Solitamente non alzo il raggio a più di 5 pixel, anzi diciamo che mi mantengo attorno a 1. Poi, regolata l’opacità come meglio mi aggrada, unisco i livelli con il metodo “sovrapponi” e il gioco è fatto.

FIG. 3 - Contrasta migliore

Ecco, questo è quanto. Ovviamente sono passi generali che a scriverli e a leggerli si sta molto ma che alla fine richiedono meno di 15 minuti per ogni foto. Spero sia utile a qualcun altro. Io con questo piccolo workflow mi trovo abbastanza bene, almeno per le foto paesaggistiche. Poi dipende sempre dalle condizioni di luce e dagli effetti che si vogliono ottenere.

Saluti.

Ps CS4

2009-06-09T10:09:00.002+02:00

Tutto è cominciato per caso leggendo un articolo della rivista “Il Fotografo” in cui si parlava di come lavorare un file RAW usando Adobe Camera Raw (ACR). ACR è un plug-in di Photoshop compreso in Photoshop Elements, Photoshop e Lightroom e permette di gestire e convertire i file RAW. La versione usata dalla rivista ho notato fosse più recente della mia, vedendo infatti alcune caratteristiche diverse e/o mancanti. Così, ho deciso di vedere se fosse possibile aggiornare il solo ACR. La versione più recente è la 5.6, che si può scaricare gratuitamente dal sito Adobe. Bene, seguiti i passi per l’installazione, è comparsa la simpatica finestra “Questa versione di Photoshop non supporta Camera Raw”. Infatti la 5.6 va bene solo per il CS4, mentre io avevo il CS3. Così, siccome da stupido non avevo fatto il backup del vecchio ACR, ho dovuto disinstallare Photoshop. Tuttavia, ho subito pensato che re-installare la stessa versione non mi avrebbe portato benefici, così mi sono ricordato che era possibile scaricare una versione di prova dei prodotti Adobe. Quindi ho proceduto con il download di Photoshop CS4 Extended (1.15 GB di roba) e la conseguente installazione. Poi ho aggiornato anche ACR alla 5.6 (il CS4 nativo aveva la 5.0). Detto questo, ho smanettato un po’ con questa nuova versione di Ps ed ecco le migliorie che mi sono saltate subito all’occhio:

- nuova interfaccia grafica, decisamente più user-friendly;

- le regolazioni più importanti sono a portata di click, in quanto c’è un pannello (personalizzabile) fatto apposta, dal quale si possono richiamare le regolazioni che si usano di più. Interessante il fatto che le regolazioni vengano applicate direttamente con maschere di livello e non sul livello dello sfondo;

- la velocità di azione è decisamente più alta, anche con un hardware non particolarmente indicato all’elaborazione grafica come il mio (praticamente senza scheda grafica dedicata). Penso che abbiano migliorato la gestione della RAM e del processore;

- presenti nuove regolazioni e nuovi strumenti che devo ancora utilizzare ma che farò al più presto.

Del nuovo ACR 5.6 posso dire che ho trovato veramente utile - ma proprio tanto - la funzione del filtro graduato, che ho notato essere più semplice da usare di quella di Lightroom (o forse sono io che con Lightroom sono un po’ negato). In ogni caso penso che Photoshop si mantenga al top per quanto riguarda l’editing fotografico.

Se lo volete provare, vi consiglio di crearvi un account sul sito Adobe e scaricare la versione di prova che non ha alcuna limitazione (tra l’altro è anche la versione Extended) ma solo un periodo di utilizzo di 30 giorni a partire dalla prima installazione. Insomma, abbastanza tempo per divertirsi e provare questa bestia.

Questione di filtri

2009-04-22T12:35:00.003+02:00

In tempo di crisi, mi do alla fotografia. Stimolato da fotografie veramente spettacolari di gente con i contromazzi tanti - il che significa tirare fuori foto da panico pur non avendo attrezzatura da milioni di euro -, sta mattina mi sono recato dal mio negozio di fiducia e ho comprato un bel filtro digradante con relativo portafiltri e anello adattatore. L’ho preso per il 10-20: l’intento è quello di ottenere foto paesaggistiche in cui tutto è esposto correttamente, terra e cielo. Qui le cose da fare sono due. La prima, che già uso, è la doppia esposizione: una foto esposta per il cielo, l’altra per la terra, unite in Photoshop, danno l’esposizione corretta. Tuttavia questo metodo è molto limitato, in quanto va bene per soggetti statici. Se però voglio ottenere un effetto mosso, come ad esempio l’acqua sugli scogli al tramonto, allora questa tecnica diventa molto meno efficiente. Si potrebbe fare lo stesso, ma il risultato comunque non sarebbe uguale a quello che si otterrebbe con il secondo metodo. Ossia usando i filtri. I filtri di cui parlo io sono quelli a densità neutra (ND), che levano 1, 2 o 3 stop di luce (ad ogni stop la luce si dimezza). Di filtri ND ce ne sono di vario genere e tipologia ma a me interessano quelli graduati, cioè gli GND. Questi filtri hanno una parte trasparente e poi, gradualmente, sono ocurati, fino ad arrivare agli stop voluti. Esistono quindi i GND2, GND4 e GND8, corrispondenti a -1, -2 e -3 stop. Chiaramente varia anche il modo in cui questi si oscurano: ci sono quelli soft, medium e hard. Poi ce n’è un terzo, solo GND8, che è full, ovvero ha una minima parte trasparente e il resto è graduale fino a togliere 3 stop. Al negozio avevano solo questo. Si tratta nel particolare di un Cokin P121F.

Arrivato a casa ho fatto alcune prove per testare se effettivamente funziona. La risposta è ovviamente sì. L’unica noia è data dal fatto che a 10mm il sistema portafiltri + filtro vignetta un poco e quindi devo usarlo a 11mm, o ritagliare l’immagine. Comunque non è un problema. Basta saperlo e tenersi più larghi con l’inquadratura.

Le prove che ho fatto non sono molto interessanti e spero in una giornata con dei bei nuvoloni per divertirmi un po’ con questo nuovo giocattolino. Sto pensando, tra l’altro, di prendere anche gli altri 3 neutri, cioè il GND2, GND4 e GND8 tutti soft. In ogni caso, è interessante il sistema Cokin, in quanto è sufficiente prendere l’anello adattatore del diametro dell’obiettivo per poter usare i filtri. Quindi uno stesso filtro lo si può usare su obiettivi diversi. Inoltre, il portafiltri è fatto in modo che il filtro, che è una lastrina in vetro rettangolare, può essere posizionato all’altezza desiderata, ma anche ruotato nella direzione che si vuole. Insomma, un sistema molto intelligente e scaltro per l’uso dei filtri.

Adesso non mi resta che aspettare una bella giornata nuvolosa e provare l’effetto del filtro al tramonto, magari sugli scogli. Devo assolutamente trovare una location adatta a questo scopo.

Foto in concorso - VOTA!

2009-04-16T22:48:00.002+02:00

Mi faccio un po' di pubblicità un po' ovunque.

Per una pura casualità, una mia foto è stata scelta tra le finaliste per la provincia di Venezia nel concorso indetto da Tuttocittà. Il premio non è denaro o qualche altro bene materiale, ma il semplice vedere la propria foto pubblicata sul numero di Venezia di Tuttocittà. Quindi, se vi va o se mi volete bene (!) potete andare qui, registrarvi e votare la mia fotografia. Ovviamente dovete scegliere "Venezia" dal menu a tendina. Ah, dimenticavo, la foto in questione è questa.

Grazie a tutti coloro che vorranno dare un contributo!

Marco

Concorso Tuttocittà

2009-03-19T23:04:00.003+01:00

Tuttocittà bandisce un concorso fotografico dal titolo “Eccentricità”: si possono mandare gratuitamente fino a 4 fotografie che ritraggono la propria città in momenti di eccentricità. Leggendo dal regolamento, sono ammesse fotografie “che illustrino i luoghi delle città italiane dove si manifesta l’eccentricità. Può trattarsi di monumenti poco conosciuti, opere architettoniche curiose, scorci paesaggistici osservati sotto una luce particolare, oppure di personaggi insoliti, manifestazioni tipiche, singolari usanze popolari e così via.” Le foto selezionate saranno stampate sull’edizione locale del Tuttocittà.

Chiaramente ci sono delle scadenze da rispettare, che sono diverse a seconda della città. Per quanto riguarda Venezia, il termine ultimo per l’invio delle foto è previsto per il giorno 24 marzo. L’elenco completo delle scadenze lo si può trovare a questo indirizzo.

Potevo io non partecipare? Ovviamente no. Allora sono andato alla ricerca di 4 fotografie di Venezia che fossero in tema, visto che non ho proprio tempo di andare apposta a fotografare. Quindi, finalmente, ho deciso per queste 4 fotografie.

1.

2.

3.

4.

So che non sono le migliori, ma sono quelle che a mio modo di vedere le cose più si addicono al tema. Ovviamente non vincerò niente, ma tanto è gratis.

Beh, torno alle mie utilissime formule sull’instabilità da ionizzazione. Saluti.

Adobe Lightroom 2

2009-03-15T23:51:00.003+01:00

In questi giorni sto provando Adobe Lightroom 2 (versione 2.3 per la precisione). Il software è scaricabile grauitamente dal sito dell’Adobe previa registrazione ed è utilizzabile completamente per i primi 30 giorni. Poi sarà necessario acquistarlo.

Lightroom è un software di ritocco e gestione delle immagini digitali. Il meglio di se lo da con i file RAW, per i quali è stato appositamente progettato. L’interfaccia è molto semplice e tutti i comandi sono a portata di mano. L’area di lavoro è divisa in 4 parti, le cui dimensioni sono modificabili a piacimento: a sinistra c'è una barra dove viene visualizzata la miniatura dell'immagine aperta e una rapida anteprima delle modifiche che si stanno per apportare, oltre che a pulsanti quali “Importa”, “Esporta”, “Carica”, eccetera. In basso ci sono le miniature di tutte le foto contenute nella cartella in uso; in destra, un pannello che cambia a seconda del tipo di lavoro che si esegue - in modalità “Sviluppo”, ad esempio, ci sono tutti i controlli avanzati per la modifica e il ritocco delle foto. Infine in centro, che è la zona più grande, c’è la foto selezionata sulla quale si eseguono le modifiche.

Come accennato, ci sono diverse modalità di lavoro: la modalità “Libreria” permette di tenere organizzate le foto, assegnando nomi, tag, titoli e permette anche piccole modifiche rapide. La modalità “Sviluppo” serve ovviamente a sviluppare i file: qui ci sono tutti gli strumenti indispensabili, assieme ai controlli avanzati organizzati in menu a tendina a seconda delle funzionalità base. Troviamo gli strumenti di base come il regolamento del WB, esposizione, contrasto, recupero alte luci, saturazione e tanti altri; poi ci sono quelli dedicati ai dettagli e alla riduzione del rumore, alla curva di viraggio, alla tonalità e saturazione di ogni canale e/o colore, e altri. La modalità “Presentazione” permette di creare presentazioni in formato JPEG o PDF, includendo pure la firma. La modalità “Stampa” invece è dedicata a tutte le funzioni di stampa delle immagini: si può impostare la risoluzione, ritagliare la foto con le dimensioni desiderate e molto altro. Infine, la modalità “Web” fornisce tutti gli strumenti per creare ed esportare una galleria su un sito web, con molti layout modificabili e personalizzabili.

Per ora ho utilizzato a fondo solamente la modalità “Sviluppo”, vero motivo per cui ho deciso di provare Lightroom. In effetti è molto comodo il fatto di poter gestire tutte le foto in un colpo solo con un solo software, senza doverle aprire ogni volta singolarmente. Ovviamente si possono salvare le operazioni e applicarle sistematicamente a tutte le foto desiderate.

L’interfaccia è molto simile ad Aperture, anche se ho trovato quest’ultimo più lento del suo rivale Adobe, soprattutto su una macchina non troppo performante come hardware. Probabilmente su un Mac Pro non avrebbe problemi.

In ogni caso, la prima impressione di Adobe Lightroom è stata assolutamente positiva. Diciamo che usando solo questo si è forzati a trovare il giusto equilibrio in macchina prima di scattare. Accoppiandolo poi a Photoshop, si ha a disposizione un totale controllo sulle foto. Non male.

La Luna sopra la Piazza

2009-03-15T22:55:00.004+01:00

Canon EOS 350D | Sigma 10-20mm HSM @10mm | f/11 | 20 sec | ISO 100

Full Exif.

Più nessuno

2009-03-15T22:44:00.006+01:00

Canon EOS 350D | Sigma 10-20mm HSM @10mm | f/16 | 6 sec | ISO 100

Full exif.

Un paio di tips

2009-02-22T23:06:00.002+01:00

Mi sono venuti in mente un paio di tips in generale, che riguardano indirettamente o direttamente la fotografia.

Luoghi e costumi. In merito al Carnevale di Venezia, ecco un piccolo elenco di posti dove si possono trovare belle maschere da fotografare. L'elenco varia in funzione dell'ora. La mattina presto, in piazza San Marco, dove si possono ottenere dei bei scatti sfruttando le tante colonne della piazza e la splendida cornice della Basilica. Poi verso le 9-10 comincia ad arrivare la gente, e le maschere si spostano nei dintorni della piazza, per i campi, campielli e e calli. Dopo pranzo, verso le 15, tutti a San Zaccaria, dove si può sfruttare lo sfondo di marmo rosa della chiesa per dei bei ritratti. Un'ora dopo ci si dirige tutti all'imbarcadero e si va a San Giorgio. Qui, se la giornata è bella, i colori delle maschere mischiati a quelli di Venezia sullo sfondo, danno una grossa mano per delle fotografie d'impatto e molto suggestive. Qui a San Giorgio la giornata finisce: alcune maschere le si ritrova la sera in giro per degli scatti notturni, ma la maggior parte si è ritirata in albergo.
Dimensioni. Sono riuscito a capire come fare per caricare le foto su Facebook (Fb) senza notevoli perdite di risoluzione, colori e qualità delle foto. Ecco come fare. Prima di tutto, con un editor per le fotografie, ridimensionate le foto con il lato lungo di 600 pixel, essendo questa la larghezza della foto su Fb. Contrastatela un po', così preverrete l'eventuale perdita di dettaglio e, assieme al contrasto, aumentate anche la saturazione. Una volta che avete la vostra foto, passate all'upload. Ci sono diversi modi per caricare una foto: quello preimpostato fa uso del modulo in Java, che vi chiede l'autorizzazione per "entrare" nell'hard disk del vostro computer. Ecco, se scegliete questa opzione vi ritroverete con una foto pessima. Allora, per evitarlo, guardate sotto la pagina: dovrebbe esserci una scritta (che probabilmente dipende dalla lingua del vostro Fb) che dice più o meno "Trouble uploading photos? Try the simple uploader". Cliccateci e si aprirà una pagina da dove potrete caricare 5 foto alla volta. Ho notato questo io: se scelgo la prima opzione, che sia una foto da 5 Mb o una da 200 kb, ci mette sempre lo stesso tempo* per caricarla. Ovviamente ci mette pochissimo, dal momento che ha ridotto notevolmente la qualità. Se invece scegliete il secondo metodo, vedrete che il caricamento è molto più lungo, quindi significa che la risoluzione è maggiore.
Consiglio. A proposito di Fb, un consiglio: mettere la firma se si vuole che le foto caricate siano "inutilizzabili". Infatti le nuove condizioni d'uso di Fb erano che tutti i contenuti pubblicati dagli utenti diventavano automaticamente proprietà di Fb, e che potevano farne l'uso che volevano. Parlo al passato perché pare che siano ritornati alle condizioni d'uso iniziali, anche se comunque, per precauzione, è sempre meglio mettere le mani avanti.

(*)Questo lo dico non perché sto lì a cronometrare, ma perché usando gli iStat sulla barra del menu, vedo la velocità in upload e download. Solitamente con il programmino Java, la velocità di upload è di circa 50 kb/s per un paio di secondi ogni foto. Significa che carica fotografie di circa 150-200 kb. Anche se ne seleziono una da 5 mb. Con il simple uploader, invece, la velocità di upload è di 50 kb/s ma per molti più secondi, il che significa che carica fotografie che pesano di più.

8 motivi per cui mi piace la fotografia in notturna

2009-02-14T00:05:00.004+01:00

Ultimamente sono piuttosto fissato con le foto in notturna, anche se finora non sono riuscito a farne nessuna. In realtà sono sempre stato affascinato da questo tipo di fotografia: già con la compattina mi dilettavo in pose assolutamente difficili ed improbabili, causa mancanza di cavalletto. Mi ero persino convinto che cambiando macchina e prendendone una di più grande, che mi stesse meglio in mano, le foto sarebbero venute meglio perché sarei stato più stabile. Ovviamente ignoravo il fatto che è estremamente necessario avere il treppiede. Ma allora ero un povero diavolo, con troppe idee e pure confuse. Ora che sono più vecchio di qualche anno e con qualche esperienza (seppur poche) in più, ecco gli 8 motivi che mi sono venuti mente per cui mi piace la fotografia in notturna.

Notti colorate. Il primo motivo è riconducibile ad un fatto fisico. La sensibilità di un sensore CCD è maggiore di quella dell’occhio umano. O meglio, la dinamica è più ampia. Che vuol dire? Che un CCD “vede” più colori dei nostri occhi. Di notte questo è amplificato dal fatto che ci sono un sacco di luci artificiali, ognuna con una differente temperatura (di colore) che viene riflessa in modo diverso su superfici diverse di colori diversi. La notte è coloratissima.
Ombre e riflessi. La luce artificiale crea ombre e riflessi molto suggestivi e originali, in quanto non è come la luce del sole che “arriva dall’alto”, per cui le ombre che vengono a crearsi non sono affatto scontate. E’ molto bello poter giocare anche con questo aspetto, soprattutto divertente per le cose che vengono fuori.
Effetti invisibili. Poiché le luci artificiali non sono potenti come quella del sole (meno male!), occorrono tempi di esposizione sufficientemente lunghi da catturare abbastanza luce. In condizioni particolari, i tempi lunghi producono degli effetti estremamente artistici ed originali, invisibili ai nostri occhi (a causa della nostra percezione della luce, chiaramente non integrata nel tempo). (1) Il mosso dell’acqua, se integrato nel tempo, appare come una distesa piatta ma striata, un po’ come un budino. (2) In presenza di automobili, un tempo di qualche secondo permette l’apparire di scie colorate (bianche, gialle, blu, rosse), colori che vanno ad aggiungersi a quelli già presenti. Il senso di dinamicità viene così esaltato ed è di sicuro impatto visivo vedere un paesaggio urbano illuminato da queste scie - che possono essere tranquillamente interpretate come le traiettorie delle macchine. (3) Fantasmi: se ci sono persone e queste si spostano all’interno dell’inquadratura, alla fine esse appariranno come figure evanescenti, al limite del paranormale. (4) Altri che non mi vengono in mente.
Stelle. La conseguenza di tempi lunghi di esposizione, come già detto, è la chiusura del diaframma. L’effetto di questo lo si nota sulle luci: appariranno come stelline a causa della limitata apertura del diaframma. Questo differisce molto dall’immagine che vediamo noi con i nostri occhi: i lampioni ci appaiono come sfere luminose. Bruttissimo.
Di notte è più facile. Tecnicamente, le fotografie notturne sono più semplici da realizzare, almeno in generale. Non c’è infatti il rischio di avere il cielo bruciato per una cattiva esposizione. Anche il bilanciamento del bianco è relativamente semplice: come già detto, le soluzioni sono molteplici. Si va dallo scattare una foto ad un foglio bianco e impostarla come WB, oppure scattare in RAW e bilanciare il bianco a casa al PC. Entrambe le soluzioni sono ugualmente valide. Ma, a parte questi piccoli accorgimenti, la fotografia notturna, generalmente, è più semplice. L’unica accortezza da avere è la sovra/sotto-esposizione: una foto in notturna sovraesposta è estremamente spiacevole da vedere. Il cielo, a mio avviso, deve restare nero. Al massimo si può sfruttare la diffusione della luce artificiale. Ma non mi piacciono i cieli “gialli” o di altri colori alquanto esotici. Stesse considerazioni per una foto sottoesposta, nella quale si vedono solo luci poste a caso. Come nella fotografia diurna, anche di notte una corretta esposizione è indispensabile. Solo che qui è più facile ottenerla.
Controllo. Poiché si usa il cavalletto, si ha un controllo maggiore dell’inquadratura. Si ha cioè modo di curare meticolosamente la composizione, il punto di vista, le prospettive e tutto quanto ci interessa. Questo, a mio avviso, è un punto molto importante poiché l’arrangiamento di una inquadratura fa sì che la foto sia riuscita o meno.
Concentrazione. Di notte la gente in giro è poca. Quindi si possono fare le cose con estrema calma e curare tutto nei minimi particolari. Così si può mirare ad avere, alla fine della photo-session, 20 foto su 100 decenti. Quindi, mettendo assieme queste due cose (cavalletto + staticità), è più semplice concentrarsi per trovare il modo giusto per trasmettere le nostre sensazioni a chi guarda.
Uno per tutti. Tutti questi motivi possono essere messi assieme in un’unica parola: sperimentazione. Sfruttare i tantissimi colori (anche e soprattutto quelli che non vediamo), le ombre e i riflessi, le scie delle auto, il mosso dell’acqua, le varie tecniche di WB ed esposizioni, la composizione e la concentrazione, porta inevitabilmente a sperimentare cose nuove, diverse, che non si possono ottenere di giorno. Un tipo di fotografia alternativa che molti snobbano, non so il perché, ma non meno importante di quella fatta in studio o di giorno.

Insomma, da questo piccolo elenco, si capisce proprio che le notturne mi piacciono. Spero il più presto possibile di potermi dedicare a fondo a questo tipo di fotografia e sottoporvi interessanti risultati. Nel frattempo, raccolgo idee più o meno creative, per le inquadrature e le locations più interessanti e stimolanti. Saluti.

Test nitidezza

2009-02-08T11:30:00.009+01:00

Nell’attesa di una bella giornata, sto facendo un po’ di test alla nuova lente. In particolare mi interessa capire se soffre di problemi/errori di messa a fuoco e valutare la nitidezza. Non sono mancate le sorprese. Ma andiamo per ordine.

Appena ricevuto l’obiettivo, ho eseguito il famoso “test delle tre pile”, che consiste nel misurare un possibile problema di front/back focus, ovvero se la messa a fuoco avviene dove dico io oppure davanti o dietro. In quella occasione non ho rilevato particolari errori, ma volevo sincerarmi comunque del buon funzionamento dell’obiettivo.
Così poco fa ho approfittato della giornata uggiosa e fatto alcune prove. Di seguito posto le immagini e poi ne traiamo le dovute conclusioni.
NOTA: per tutte le immagini che riportano la dicitura “AF”, significa che ho scattato usando l’autofocus impostato solamente sul punto centrale.
Immagine di riferimento, ovvero non croppata:

Dati: 10mm, f/8, ISO 200

Cominciamo con i crop al 100% della regione centrale, ovvero quella dove avviene la messa a fuoco.

La distanza della siepe è di circa 15 metri. Sulla ghiera delle distanze dell’obiettivo, l’ultima distanza è 3 metri, poi c’è infinito. Si noti la differenza tra la messa a fuoco automatica e la regolazione manuale impostata su infinito.
Altri crop:

Qui invece ho usato tre diversi diaframmi per valutare la nitidezza. Si nota una debole variazione di nitidezza: a mio parere il risultato migliore è a f/7.1. Questo per quanto riguarda le parti centrali. Vediamo gli angoli come si comportano.

Anche qui si nota un evidente aumento di nitidezza spostandosi verso diaframmi più chiusi, e i risultati migliori sono f/7.1 e f/11. Anche a f/8 la cosa non è male, ma peggiora drasticamente a quasi tutta apertura.
Sono stato sorpreso da questi test: infatti mi sarei aspettato che con l’aumentare del valore di diaframma, la nitidezza aumentasse. Invece, soprattutto per il crop centrale, noto che a f/7.1 l'immagine è più nitida, anche se di poco, di quella a f/11. In ogni caso, è buona anche la resa ai bordi, cosa molto piacevole, visto che con questa focale estrema i bordi e gli angoli sono un po’ penalizzati.
Insomma, da questi esempi ho capito che se la resa massima si ha scattando f/7.1 o f/11. Probabilmente questo dipende anche dalle condizioni di luce. Sono curioso di vedere cosa succede con una giornata di sole, in modo da poter provare anche la resistenza ai flares nel controluce.
Un’ultima nota: tutte le immagini qui presentate le ho scattate in JPEG, con una tacca di contrasto, una di nitidezza e una di saturazione in più. Le cose non cambiano scattando in RAW con i parametri a 0: ho ottenuto gli stessi risultati.

Giornata fruttuosa

2009-02-04T20:20:00.005+01:00

Sì, alla fine mi è arrivato. Con un po' di peripezie devo dire: ordinato una decina di giorni fa da un negozio online ad un prezzo piuttosto interessante, sono stato informato da un negozio fisico che da lunedì 02/02 i prezzi degli obiettivi Sigma sarebbero aumentati del 5-10%. Non avendo avuto la conferma dell'ordine presso il sito dal quale avevo ordinato, e con una certa paura per il successivo aumento dei prezzi, venerdì ho disdetto l'ordine e l'ho fatto presso un altro negozio online, ad un prezzo leggermente più alto.

Ho avuto subito la conferma dell'ordine e ieri ho ricevuto la mail di spedizione. Oggi pomeriggio, verso le 16, il corriere ha suonato al campanello e mi ha consegnato un pacco, ovviamente previo pagamento da parte mia. Ecco il contenuto del pacco:

Per ora ho solo fatto alcuni test sui problemi di front/back focus e sembra non essercene. Approfondirò alla luce del sole. L'importante è che ora ho la potenza dei 10mm. Non vedo l'ora di avere un po' di tempo libero e testare a fondo questa fantastica lente.

En passant, sta mattina mentre studiavo le SSP mi è venuto in mente che uno degli obiettivi della vecchia reflex a pellicola è un 50mm f/1.4. Strano che non mi sia venuto in mente prima. Sapete già di cosa parlo: macro a lente rovesciata. Ho quindi montato in il classico 18-55mm, regolato su circa 50mm e focheggiato all'infinito. Davanti ci ho piazzato il 50mm, sempre su infinito. Sorpresa: i due obiettivi si incastrano perfettamente, in quanto il diametro del 50mm è un po' più piccolo di quello del 18-55. Così ho settato il diaframma del 50 a 1.4, e manco a dirlo sta volta la luce era decisamente molta, assicurando così tempi di scatto di sicurezza e ISO bassi. Inoltre, tutto il sistema è decisamente meno pesante dell'accoppiata 55-250 + 18-55. Un prova? Eccola.

Questi fiorellini sono grandi mezzo centimetro al massimo, giusto per darvi l'idea.

Giornata fruttuosa oggi: lente macro praticamente gratis e ultrawide pagato il giusto. Praticamente due lenti al prezzo di una.

Saluti.

Ultrawide: una scelta durissima

2009-01-18T23:16:00.003+01:00

Come dicevo di là, sono giorni irrequieti per me e la fotografia. Ho un sacco di idee per le inquadrature più strane, per trasmettere sensazioni che vadano al di là dell’oggetto in se ritratto nella foto. Ogni volta che mi guardo attorno vedo linee, punti di fuga inaspettati, scorci, prospettive e geometrie che mi lasciano a bocca aperta ma allo stesso tempo con una sensazione di incompletezza e vuoto che, irrimediabilmente, mi portano ad elaborare sempre il solito pensiero: “Se solo avessi un ultrawide...”

Gli obiettivi cosiddetti ‘ultrawide’, sono quelli che partono da focali molto corte, tipicamente 10mm su APS-C e 12mm-14mm su FF. Ormai è qualche mese che faccio il filo a questi ultragrandangoli, in particolare dal momento in cui al meeting di Verona del CCI, ho provato il Sigma 10-20mm HSM. Strabiliante la sensazione di vedere più di quando vediamo con i nostri occhi.

E proprio sul Sigma sta cadendo la mia scelta, motivata dal costo accessibile dell’ottica e del buon rapporto qualità/prezzo. Tuttavia, in questi ultimi giorni, ho letto e riletto diverse cose in giro per la rete su strani difetti della lente in oggetto: i problemi più comuni che vengono riscontrati sono legati principalmente al fatto che scattare con focali così estreme, anche le aberrazioni e le distorsioni vengono amplificate notevolmente, rispetto, ad esempio, ad una foto scattata a 50mm. Nella fattispecie, per alcuni Sigma avviene una netta perdita di nitidezza ai bordi, perdita maggiore del normale, e anche ai lati. L’altro problema, secondo me molto più grave, sta nell’imprecisione dell’AF (Auto Focus): in particolare viene riscontrato un problema di front/back focus, cioè viene messo a fuoco o prima (front) o dopo (back) l’oggetto sul quale si vuole focalizzare. A differenza del primo difetto (scarsità di nitidezza), questo non è recuperabile in post produzione, ed è un punto a sfavore delle ottiche Sigma.

Beninteso, non è un problema globale, ma solo su qualche esemplare. Il fatto è che, acquistandolo on-line, dove i prezzi sono decisamente più bassi dei negozi, bisogna fidarsi e sperare che si becchi l’esemplare buono. Va bene che comunque c’è la garanzia, però se si può evitare sarebbe meglio.

Per ovviare a tutti questi inconvenienti, c’è l’alternativa decisamente più costosa del Canon 10-22mm USM. Quest’ottica è decisamente migliore rispetto alla Sigma per quanto riguarda nitidezza e precisione di messa a fuoco, anche se un po’ di perdita di sharpness ai bordi la si ha sempre. La sigla USM sta per UltraSonic Motor, il che assicura un AF preciso e veloce.

Ora, viste le caratteristiche dei due modelli, io vorrei avere un’ottica che sia la più precisa possibile. Le condizioni in cui scatterò saranno molteplici: dal pieno controluce al notturno con luce molto debole. Mi piacerebbe avere una lente che faccia esattamente quello che voglio io, e non che metta a fuoco dove le pare e dopo devo smanettare con il focheggiamento manuale. Questo può non essere un problema in condizioni normali, ma in condizioni estreme di luce (cosa che accadrà sicuramente, visto che vedo prospettive ovunque) può dare fastidio. Poi, comunque, tengo conto del fatto che cambiano i corpi macchina ma “una buona lente ti dura tutta la vita”, come disse il buon Alekos.

Tuttavia non vorrei neanche svenarmi e lasciarci il conto corrente, anche se la tentazione è forte. A dirla tutta ci sarebbero altri due modelli che farebbero lo stesso lavoro: il nuovo Tamron 10-24mm e il carro armato Tokina 11-16mm. Del primo non sono affatto convinto, poiché è uscito da un paio di mesi e i pareri sul suo funzionamento sono molto discordanti. Del secondo, mi attira soprattutto la grande apertura (è un f/2.8), ma la ridotta escursione focale e quel millimetro in meno non mi convincono.

Voi dunque cosa mi consigliate? Mi butto sul Sigma incrociando le dita e risparmiando qualcosa? Oppure stringo la cinta e mangio pane e acqua e prendo il Canon? Diavolo che indecisione.

Ad ogni modo, ecco quello che si può ottenere con queste due ottiche.

Sigma.

Canon.

Cross processing

2008-12-20T20:02:00.015+01:00

Nel vecchio mondo a pellicola, il cross processing era un modo di sviluppare i negativi delle pellicole usando i prodotti chimici sbagliati. Questo provocava uno spostamento dei colori, e rendeva le foto drammatiche e allo stesso tempo interessanti. Con il digitale si può ricreare quell'effetto andando a modificare le curve in Photoshop (Ps). Ecco l'immagine di partenza e quella finale.

Prima

Dopo

Come prima cosa, aumentiamo un po' il range dinamico, andando ad agire sul comando Luci/Ombre. Duplichiamo quindi il livello e selezioniamo da menu Immagine -> Regolazioni -> Luci/Ombre e modifichiamo a piacimento i valori.

Se vogliamo, possiamo regolare il contrasto, la luminosità e la saturazione. In questo caso ho aumentato il contrasto e diminuito la saturazione. E' importante effetturare tutte queste operazioni creando un nuovo livello di regolazione per ogni operazione (dal menu Livello -> Nuovo livello di regolazione), in modo da poter eventualmente tornare al livello superiore ma anche per effettuare correzioni selettive con il pennello. Inoltre, lavorando con i livelli, si ha un maggiore controllo sul grado apportato alle correzioni in quanto si può regolare l'opacità di ogni livello a piacimento.

Ora creiamo un nuovo livello di regolazione Curve e agiamo sui singoli canali R (rosso), G (verde) e B (blu) in questo modo.

Rosso

Verde
Blu

Ora, dal momento che queste operazioni hanno come risultato una saturazione ed una tonalità eccessivamente spostate nel blu per quanto riguarda il verde, creiamo un nuovo livello di regolazione Saturazione e regoliamo la tonalità e la saturazione dei verdi.

Adesso rendiamo il tutto più drammatico creando un livello a tinta unita (dal menu Livello -> Nuovo livello di riempimento -> Tinta unita) e scegliamo un giallo (per fare prima vi consiglio di scrivere e1ff00 nella casella in basso, che è il codice del colore) non troppo intenso.

L'ultimo passaggio è regolare l'opacità ad un valore basso; io qui ho scelto 4%, ma dipende dalla foto.

Ora che abbiamo finito, possiamo salvare il tutto nel formato PSD che mantiene inalterati i livelli, così da poterli modificare in futuro. Se invece siamo contenti così, allora uniamoli (dal menu Livelli -> Unico livello) e salviamo nel formato che più ci piace. Da notare a questo punto che se stavamo lavorando in uno spazio colore a 16 bit, è necessario convertire l'immagine in 8 bit per poterla salvare in JPEG.
Ma non è tutto: in Ps c'è la favolosa opportunità di creare un'azione in modo da automatizzare il tutto.

Prima di iniziare a lavorare sulla foto, basta andare sulla paletta a sinistra e selezionare la paletta delle azioni; da qui, creare una nuova azione cliccando sul tasto in basso vicino a quello del cestino, e chiamarla con il nome che si desidera. Una volta creata, bisogna cliccare sul tasto Registra (il pallino rotondo) e da questo momento Ps registrerà ogni cosa che facciamo. Finito il lavoro, cliccare su Stop: ora abbiamo la nostra bella azione che fa tutto in automatico.
Chiaramente così facendo non abbiamo la possibilità di regolare finemente i parametri, ma possiamo farlo in un secondo momento andando a modificare i livelli di regolazione che sono stati creati dall'azione. Questo si può fare se si ha fermato la registrazione dell'azione prima di unire i livelli.
Questo è quanto.

Adattato da PhotoshopSupport.com.

Buon Natale e buone foto!

Flash

2008-11-24T12:05:00.003+01:00

Cavolo, quasi un mese senza un post. Chiedo perdono.

Comunque, in questo mese ho avuto qualche occasione per scattare un po' di foto in occasione del breve weekend a Genève. Nonostante avessi dietro praticamente tutta l'attrezzatura, di una cosa ho sentito particolarmente la mancanza: un bel flash potente. Quello incorporato nella macchina ha numero guida 13 (a ISO 100), il che vuol dire che se si scatta a soggetti distanti più di 5 metri, la foto viene scura. La soluzione sta quindi nel ricorrere ad un flash esterno con numero guida superiore a 13 (e ci vuol poco). Tutti però sappiamo il costo di questi flash, soprattutto quelli compatibili con le macchine digitali di oggi: essi hanno addirittura un esposimetro interno che lavora in concomitanza con quello della macchina, per fornire la giusta esposizione a tutti gli ISO e a tutte le lunghezze focali. Tutte queste caratteristiche fanno lievitare il prezzo di un flash a circa 200/250 euro. Decisamente troppi.

Ma perché cercare un flash nuovo quando se ne ha uno vecchio? Ho quindi recuperato il flash che uso con le macchine a pellicola e l'ho montato sulla digitale. Tale flash ha numero guida 24, quindi decisamente più potente di quello incorporato. Con sommo piacere ho scoperto che tale flash funziona e il lampo che emette è fin troppo potente. Siccome però non è compatibile con la macchina, non è possibile regolare la compensazione dell'esposizione, tanto meno sincronizzarlo sulla seconda tendina. Quindi il lampo che emette è in un certo senso fisso, per cui per regolare la luce bisogna per forza chiudere il diaframma.

Sta mattina ho fatto qualche altra prova e ho scoperto, ahimè, che l'emissione del lampo è arbitraria. Cioè il flash non si attiva sempre ma solo quando gli pare a lui. Ho notato inoltre che questo non dipende dalla luminosità dell'ambiente e nemmeno dal tipo di misurazione dell'esposizione. C'è dunque da risolvere anche questo problema.

John vuole delle foto. Ora come ora non ne ho. Voglio prima capire come risolvere il problema e poi fare un diffusore. Quando avrò terminato tutte queste operazioni posterò le foto. Anche perché devono essere fatte con un certo criterio, ovvero su treppiede, con soggetto e luce ambiente fissi e con tutti i tipi di flash (incorporato senza diffusore, con diffusore, esterno senza diffusore e con diffusore) in modo da apprezzarne la differenza. Non so quanto tempo richieda questo test, ma spero il meno possibile. Saluti.

Fotografare di notte

2008-10-28T13:47:00.004+01:00

Scattare fotografie di notte è più complicato di quanto non possa sembrare. Ci vuole una tecnica tutta particolare, molto diversa da quella per le foto di giorno. Ecco quindi alcuni punti da seguire per ottenere delle foto decenti - dal punto di vista tecnico - di notte.

No flash. Vi prego: basta con questi flash di notte. Non se ne può più. Di notte non si usa il flash, a parte in condizioni particolari come la ritrattistica e le foto a persone in generale. Ma se si deve fotografare una piazza, una chiesa, un monumento o altro, il flash deve restare assolutamente spento.
Il treppiede. La luce, di sera, è ovviamente poca e per far entrarne abbastanza bisogna prolungare l'esposizione. Anche se scattiamo a tutta apertura, i tempi di scatto sono sempre molto lunghi (tipicamente sopra il secondo). Quindi è ovvio che è obbligatorio l'uso di un cavalletto che sia il più stabile possibile, altrimenti il micromosso rovinerebbe tutto quanto.
ISO bassi. Molte fotocamere compatte, se usate in automatico, impostano un alto valore ISO (da 800 in su) per fare in modo da ridurre il tempo di posa. Tuttavia ci si rende subito conto che la foto appena scattata è affetta da una granulosità paurosa, che ovviamente dà fastidio e rovina tutto. Per evitare questi spiacevoli inconvenienti è opportuno abbassare il valore ISO a 100 oppure 80, se la fotocamera lo permette. In questo modo, però, si deve aumentare il tempo di posa e quindi serve un cavalletto.
Diaframmi. Con le reflex, per le quali è possibile regolare il diaframma dell'obiettivo, ci sono essenzialmente due possibilità. Se si fotografa con diaframmi aperti, le foto avranno meno profondità di campo e meno nitidezza. Le luci dei lampioni, inoltre, saranno delle sfere contornate da aloni di luce. Chiudendo i diaframmi (ad esempio f/18), la nitidezza aumenta molto e le luci dei lampioni saranno a forma di stelline. Solitamente le foto vengono meglio con i diaframmi chiusi, ma anche qui dipende dalle situazioni e dai gusti. E' chiaro che chiudendo il diaframma il tempo di posa deve aumentare.
Bilanciamento del bianco. Questo è un argomento molto delicato. Infatti, mentre di giorno la luce solare si può considerare bianca, di notte, invece, le luci artificiali sono tutt'altro che bianche. L'occhio umano, purtroppo, non se ne accorge e vede come se la luce fosse bianca (il cervello è un ottimo processore d'immagine). Ma i sensori e le pellicole non sono gli occhi, e si accorgono subito della non-neutralità della luce. La luce gialla dei lampioni e delle lampade fa sì che le foto vengano tutte con una dominante rossa e arancione, conseguenza della temperatura colore della luce gialla (circa 5000 K). Per risolvere il problema, si devono bilanciare i toni del grigio e del bianco. La soluzione sta nell'abbassare la temperatura colore sui 2500 K circa; questo si può fare direttamente in macchina se si scatta in JPEG, attestando il WB su "tungsteno" oppure regolando direttamente la temperatura colore, se la macchina lo permette. Se si scatta in RAW, la correzione da fare risulterà più precisa, grazie ai software dedicati, che permettono una vasta gamma di valori per la temperatura colore. Per rendervi conto dell'importanza del bilanciamento del bianco, vi mostro un esempio. È un particolare della Basilica di San Marco, scattato in RAW. Questo, quindi, è quello che il sensore ha visto:

Mentre questo è quello che l'occhio vedeva, cioè una volta corretto il WB:

Si capisce quindi l'importanza del bilanciamento del bianco, che spesso viene trascurato nelle foto "giornaliere".
Questi sono i principali punti da tenere sotto controllo per le fotografie in notturna. Poi, ci sono altri trucchetti come ad esempio: usare un telecomando per lo scatto remoto, utile soprattutto per tempi maggiori di 30 secondi, ovvero in modalità "bulb". In questa modalità si deve tenere premuto l'otturatore per il tempo che si vuole (anche 1 secondo, non è obbligatorio fare pose da 1 minuto), quindi il telecomando è indispensabile in quanto si può bloccare il tasto di scatto, evitando l'introduzione di vibrazioni sul sistema macchina + cavalletto. Altra cosa da non sottovalutare è l'uso di un buon paraluce, per smorzare la luce degli altri lampioni che non compaiono nell'inquadratura. Altra cosa: se si dispone del live view è sicuramente un'ottima cosa, dal momento che è facile assumere posizioni strane in quanto la fotocamera è attaccata al cavalletto e quindi è vincolata a dei movimenti fissi. Altra bella cosa è cercare di prolungare il più possibile l'esposizione: se davanti all'inquadratura passano delle persone o delle auto o qualcos'altro, ci possono essere degli effetti interessanti che spezzano la staticità della foto.
Insomma, queste sono solo alcune cose che mi sono venute in mente per quanto riguarda le foto in notturna, ma sono sicuro che ce ne sono molte altre che ignoro!

Effetto Dragan

2008-10-21T17:30:00.005+02:00

Scrivo poco in questo periodo, perché in effetti ho poco tempo da dedicare alla fotografia. Spero comunque questa settimana di liberarmi e ho in programma diverse uscite dove sperimentare delle cose di cui ancora non ho parlato qui, ma che riguardano la composizione. Appena ho in mano qualcosa, la posterò.

Tuttavia non potevo nemmeno passare di qua senza scrivere niente. Così ho pensato di parlarvi un po' del cosiddetto effetto Dragan, chiamato così in quanto è un'invenzione di Andrzej Dragan. Guardando il suo portfolio, appare chiaro che si tratta solamente di una tecnica particolare di elaborazione fotografica con Photoshop, che fa apparire i ritratti molto più drammatici in quanto non siano in realtà. Personalmente non ritengo fotografia questo tipo di cose; le associo più alla grafica, ad elaborazioni grafiche di fotografie. Però mi piace un sacco questo effetto e quindi vi dico che anch'io mi sono cimentato nel provarlo.

In rete ci sono un sacco di tutorial sull'effetto Dragan, anche se ovviamente nessuno è quello "ufficiale". Insomma, sono tutte imitazioni, un po' come la Pepsi è l'imitazione della Coca-Cola. Comunque, io ne ho seguiti un paio e vado ad illustrarvi i risultati. Innanzitutto posto l'immagine originale, scattata di sera, con la luce pessima al tungsteno e un soggetto particolarmente brutto, privo di una qualsiasi espressione facciale.

Bene, e adesso veniamo alle prove del suddetto effetto. La prima è stata fatta seguento questo tutorial video molto ben fatto. E il risultato è questo.

La seconda prova, invece, è stata effettuata tramite l'apposito plugin per Photoshop, il Draganizer. Si tratta di un'azione da salvare nell'apposita cartella e richiamare nel menu di Photoshop.

Da notare che in questa seconda elaborazione, le zone scure sono come sature e non so il perché. Probabilmente avrò sbagliato qualcosa nel far andare il Draganizer.
Chiaramente, nessuno dei due tentativi assomiglia anche vagamente ai ritratti di Dragan. Però è ovvio che le pessime condizioni di luce e soggetto non facilitano il lavoro. Sicuramente approfondirò la cosa.

Macro a lente rovesciata

2008-09-29T19:30:00.007+02:00

Il mondo della fotografia macro è estremamente vasto. Anche l'ambiente quotidiano in cui viviamo offre moltissimi spunti sotto il punto di vista delle piccole cose - piccole inteso proprio nel vero senso del termine. Ma, ahimè, per muoversi agevolmente attraverso la giungla del mondo macro occorrono gli strumenti giusti, quali obiettivi macro, tubi di prolunga, flash anulari, filtri e chi più ne ha più ne metta. Spesso chi si avvicina per la prima volta al mondo della fotografia digitale - come il sottoscritto - non dispone di questi strumenti e quindi è limitato sotto questo punto di vista.
Tuttavia non è così. Infatti si possono sfruttare i princìpi dell'ottica geometrica per guidare la luce affinché si ottengano degli ingrandimenti piuttosto estremi. E tutto questo senza il bisogno di lenti macro. Tutto quello che serve è l'obiettivo fornito in kit e un altro a vostra scelta (ad esempio il 50mm f/1.8 da 80 euro è l'ideale). Ovviamente io non potevo esimermi dal provare questa tecnica.
Quello che ho fatto è stato di impostare manualmente il fuoco sui due obiettivi (ho usato il 55-250 montato in macchina e il 18-55) e metterlo all'infinito. Poi, ho preso il 18-55 e l'ho messo a contatto con il 55-250, in modo che l'attacco per la macchina fosse rivolto all'esterno. In pratica ho fatto combaciare le due estremità dei due obiettivi. Il 18-55 era cioè rovesciato, e per questo si parla di macro a lente rovesciata (revesed lens macro). Ho scattato in Av con apertura massima e ISO 1600. Ecco i risultati.
Ho preso come soggetto un tappo dell'obiettivo. Questa foto è stata fatta a 55 mm alla minima distanza di messa a fuoco con l'obiettivo in kit 18-55. In pratica questo è il massimo ingrandimento ottenibile con quella lente. Con il 55-250 veniva leggermente più grande ma non molto.

Poi ho montato il 55-250 regolato su 55 mm e gli ho attaccato davanti il 18-55 regolato anch'esso su 55. Ho puntato il tappo e ho ottenuto un bel ingrandimento.

Poi ho regolato il 55-250 a 100 mm circa. Questo il risultato:

Ma non è finita. A 135 mm:

Ultimo: a 250 mm

Spaventoso eh? Alcune considerazioni:

Noterete che la messa a fuoco non è delle migliori. Il focheggiamento infatti, essendo impostato manualmente all'infinito su entrambi gli obiettivi, si deve fare a mano muovendo la fotocamera avanti e indietro, fino a trovare il punto di fuoco.
Poiché non dispongo di anelli di rovesciamento (cioè degli anelli che attaccano le due lenti), ho dovuto tenere con una mano entrambe le lenti e con l'altra la fotocamera.
Come conseguenza, l'intero sistema non è molto stabile ed è normale che ci siano delle vibrazioni. La cosa migliore sarebbe fare queste operazioni con il cavalletto.
Da notare inoltre che la distanza fisica tra la fine dell'obiettivo modificato e l'oggetto è di pochi centimetri, quindi anche l'illuminazione va controllata bene.

Spero di poter sperimentare meglio questa tecnica, dato che si possono ottenere degli scatti con notevoli dettagli e particolari. La cosa migliore sarebbe disporre di un anello di rovesciamento, vedrò di procurarmente uno. Certo è che i risultati si notano eccome. Tenete presente che tutte le immagini sopra sono solo ridotte a 800 x 533, non sono tagliate. Quindi quello che vedete in piccolo lo si ha in risoluzione massima (che dipende ovviamente dal sensore).
Ma dove ho imparato questa tecnica? Beh, in internet ci sono molti tutorials a riguardo - basta cercare reverse lens macro - ma io ho preferito questo video. Tra l'altro è un sito fatto benissimo che seguo già da tempo, assieme a digital-photography-school.com.
Insomma, provate anche voi che mi sembra una bella cosa!

Migliorare una foto in 6 passi

2008-09-27T22:19:00.003+02:00

Discutevo qualche giorno fa su un forum a proposito delle procedure di ritocco/miglioramento delle foto, ovvero quali passi seguire per ottenere il massimo risultato con il minimo sforzo. I programmi di editing che permettono queste modifiche sono molti: il gratuito Gimp, il software in bundle della Canon (DPP), il più costoso Adobe Lightroom, il carino e facile iPhoto oppure il programma Apple Aperture, PaintShop Pro e il re di tutti, Photoshop. Un sacco di software insomma. Ma quali sono i passi da seguire per ottenere il meglio da una nostra foto? Beh, tutto dipende dal formato in cui si scatta, come dicevo altre volte. L'ideale sarebbe scattare in RAW, in modo di avere più regolazioni a disposizione, sicuramente più precise di quelle effettuate in macchina. Certo è che io non so se quello che faccio io sia il modo migliore di procedere, anche perché dipende sempre dal tipo di foto e dal programma che si usa. Di seguito cercherò di fornire qualche informazione che mi è stata utile, o almeno scriverò quei passi che io seguo quasi sempre prima di pubblicare/stampare una foto.

Una rapida occhiata. La prima cosa che faccio è dare un'occhiata veloce alle foto che ho appena scaricato. I programmi per fare questo sono i più svariati. Io uso DPP che è veloce e non ha alterazioni di colore che può avere Adobe Bridge - essendo gli spazi colore a volte diversi. Dopo una rapida occhiata d'insieme, riguardo le foto con maggiore attenzione e contrassegno quelle che secondo me sono da tenere e modificare.
Operazioni preliminari (solo RAW). Dopo aver scelto la foto da modificare, la apro con l'apposito software e vado ad operare le correzioni d'insieme, quelle cioè che valgono per l'intera foto. La prima operazione è il ritaglio, cercando sempre di rispettare la regola dei terzi o perlomeno mantenere una simmetria minima. Poi tocca al bilanciamento del bianco; alzo la nitidezza a metà tra il valore massimo e quello minimo, un paio di tacche per il contrasto, qualcosa anche per la saturazione, regolo la riduzione del rumore sia in luminanza che crominanza e qui si aprono due strade. Se la foto è pronta, proseguo con il passo 4. Se invece richiede ancora qualche correzione, allora segue il passo 3.
In profondità (TIFF 16 bit). Per queste operazioni mi avvalgo di Photoshop e del file esportato dal RAW al TIFF a 16 bit, in modo da avere una gamma di colori più ampia, così ho un margine più ampio per le correzioni. La prima cosa da fare è raddrizzare la foto e correggere gli eventuali difetti di distorsione e aberrazione. Poi guardo se ci sono zone della foto che sono troppo scure o troppo chiare. In tal caso vado a correggerle selettivamente con i livelli di regolazione appositi e il pennello, fino a raggiungere il risultato voluto. In questa fase correggo anche eventuali oggetti non desiderati, quali ad esempio i fili elettrici in cielo, antenne poco fotogeniche che spuntano qua e là, eventuali macchie di polvere e cose così. Apporto modifiche anche al contrasto, alle luci e ombre e ad altre cose che mi sembrano non andare.
Ridimensionamento. Una volta ultimato il lavoro di ritocco si passa alla fase ridimensionamento e salvataggio. Ora, questo passo non lo si deve sottovalutare. Almeno io non lo sottovaluto. Infatti io sono molto legato alla qualità delle cose, soprattutto di file audio e video. Preferisco mille volte una foto 800 x 600 a qualità massima che una 3500 x 2500 con qualità bassissima. Quindi quello che faccio io è di mantenere il formato TIFF e ridurre l'immagine alla risoluzione voluta (tipicamente faccio 1000 pixel il lato lungo e 72 dpi). Quando l'immagine è ridotta, la ingrandisco al 100% e applico una leggera maschera di contrasto (l'intensità non supera il 110%, che sarebbe anche tanto per una foto da 1000 px).
Incornicia (opzionale). Questo punto non lo faccio sempre ma solo quando mi pare che alla foto ci stia bene una cornice. Il procedimento per crearla l'ho scritto tempo fa qui.
Salvataggio. È l'operazione finale. La foto, che è in formato TIFF a 16 bit, viene convertita a 8 bit in modo da poterla salvare in JPEG. Io scelgo sempre l'opzione di salvataggio a qualità massima con interpolazione per immagine più morbide. C'è anche l'opzione per le immagini più nitide, ma i risultati non mi piacciono.

Insomma, questi sono i sei passi che stanno dietro a quasi ogni foto che vedete. In media questo procedimento mi porta via 15/20 minuti per foto, ma poi dipende dalla foto. Se va già bene così allora con un paio di minuti me la cavo. Se invece ci vuole un ritocco più approfondito, allora arrivo tranquillamente a 1 ora. Soprattutto quando si tratta di fare bracketing tra due foto, oppure in casi disperati.

Da tenere presente inoltre che io non sono un esperto, ma seguo esclusivamente il mio gusto personale nel fare le cose, per cui anche io qualche volta non seguo questi passi ma vado un po' a naso. Spero che questo elenco possa fornire degli spunti anche a chi, come me, ne sa poco di fotoritocco ma che vuole ottimizzare le proprie foto.

Nota. Solamente il secondo passo richiede l'uso del formato RAW, gli altri si possono seguire benissimo anche con un JPEG, basta avere l'accortezza, prima del punto 3 di convertirlo in un TIFF a 16 bit.

La Bella e la Bestia

2008-09-16T18:21:00.000+02:00

Signori, lo sapete, io sono fissato con la fotografia. Ormai non mi lascia più scampo. E come conseguenza di ciò, sono diventato matto quest'estate per cercare una foto adatta per il grande concorso internazionale “Eyes on the planet”, promosso da Manfrotto e altre istituzioni con lo scopo di sensibilizzare i giovani rispetto ai cambiamenti che avvengono sul nostro pianeta. Il termine ultimo per la presentazione delle foto scade il 30 settembre e la si può postare in una delle 4 categorie: Food, Climate, People e Environment. I premi in palio sono piuttosto sostanziosi e vanno da 3 giorni di workshop negli USA con un famoso fotografo americano a una Nikon D40 passando per corsi e master in fotografia. Insomma, un'occasione unica e da non perdere, anche perché gratuita!
Quindi io, ovviamente, ho partecipato e sono sicuro che, siccome mi amate, andrete a votare la mia foto. Essa è questa:

Il titolo è La Bella E La Bestia e rappresenta un controluce dei tetti di Venezia con lo sfondo fatto dalle ciminiere di Porto Marghera: la bellezza di Venezia con i suoi palazzi, i canali, i campi, le calli e i ponti si scontra con la sua maledizione, ovvero Porto Marghera con le sue fabbriche, ciminiere e l'inquinamento che produce. Due facce della stessa medaglia, separate da una sottile striscia d'acqua dorata, che fanno amare a odiare al tempo stesso questi luoghi.
La mia foto fa parte della categoria Environment e spero che vi piaccia. Per votarla andate sul seguente link, che ho messo anche in rilievo in alto a destra. Credo che per votare bisogna iscriversi, ma non è una procedura lunga ed impegnativa. Avete tempo fino a fine ottobre e sono sicuro che parteciperete numerosi :)
In questo post potete scrivere cosa ne pensate, se vi piace o meno. Ma potete anche dire cosa avreste fotografato voi che rientrasse in una delle 4 categorie.

PS: per vedere la foto in qualità buona andate alla pagina relativa di Flickr.

Blocco dello specchio

2008-09-09T17:48:00.007+02:00

Visto che questo blog così com'è, cioè in inglese, non riscuote successo, ho deciso di ritornare all'italiano. Magari continuerà a non fregargliene niente a nessuno, però almeno ci metto due ordini di grandezza in meno di tempo per scrivere un post.
Oggi vi parlerò del blocco dello specchio. Le fotocamere digitali compatte e le Digital Single Lens Reflex (DSRL) hanno una differenza fondamentale: l'otturatore. Nelle compatte l'otturatore è elettronico, ovvero al momento della pressione del pulsante di scatto viene annullata la carica presente sul sensore (si dice che viene fatto un reset). Questo perché nelle compatte il sensore è costantemente esposto alla luce il che vi permette di scattare guardando il monitor LCD posteriore della fotocamera. Questa proprietà delle compatte viene spesso chiamata Live View, in quanto vedete in tempo reale quello che inquadrate.
Nelle DSRL, invece, le cose cambiano. Quando inquadrate un soggetto lo fate attraverso il mirino il quale è intimamente legato all'obiettivo che monta la macchina. Infatti la luce, dopo essere passata attraverso l'obiettivo, viene riflessa a 45° da uno specchio che la indirizza sullo schermo di messa a fuoco. In questa fase avviene anche la misurazione dell'esposizione tramite l'esposimetro interno della macchina. Poi, attraverso un'altro specchio (o un prisma nelle relfex di fascia alta), la luce viene convogliata nel mirino ed, infine, al vostro occhio. A noi interessa lo specchio. Dietro di esso c'è l'otturatore, composto da tendine, che si apre e si chiude per un tempo necessario deciso da voi o dalla macchina (insomma, il tempo di posa o Tv).
Spesso, quando si fanno fotografie notturne che richiedono tempi di posa elevati, si usa la funzione del blocco dello specchio, presente in tutte le moderne DSRL. In pratica il concetto è questo: quando scattiamo una foto, lo specchio deve alzarsi, poi l'otturatore si apre e si chiude e infine lo specchio si riabbassa. Siccome queste sono tutte parti meccaniche, il movimento dello specchio può indurre delle micro-vibrazioni, rese ancora più evidenti in presenza di Tv alti. Ecco quindi che si ricorre a questa tecnica: se questa funzione è attiva, la prima volta che si preme il pulsante di scatto, lo specchio si solleva e la luce va a sbattere sull'otturatore. La seconda volta che premete il pulsante si mette in moto l'otturatore. Al termine del tempo di posa lo specchio torna nell'usuale posizione, cioè si abbassa. Se è attivo l'autoscatto, succede che si deve premere il pulsante di scatto una sola volta: premete il pulsante, lo specchio si alza e, dopo qualche secondo deciso dalla macchina o da voi (poi dipende dalle macchine), l'otturatore fa il suo lavoro da solo. Dal momento che lo specchio si abbassa dopo che l'otturatore si è chiuso, questa tecnica vi permette di ridurre il micromosso eventuale.
Alcune note:

questa tecnica va utilizzata in coppia con un treppiede;
mentre lo specchio è alzato è meglio non puntare direttamente forti fonti di luce;
il micromosso dovuto allo specchio è effettivamente eliminato se i tempi di scatto sono compresi tra 1/15 circa e 1 secondo. Se il Tv è più piccolo di 1/15-1/20, l'effetto dello specchio è trascurabile, così come per tempi maggiori di 1 secondo.

Ora veniamo ad un test che ho fatto per verificare questa cosa. Vi preannuncio che le differenze sono minime ma ci sono, soprattutto per quanto riguarda la nitidezza.

Blocco specchio non attivo

Blocco specchio attivo

Alcune considerazioni: lasciate stare il soggetto. Sono entrambi dei ritagli al 100%; sono JPEG derivanti dal file RAW senza correzioni per entrambe le immagini; la nitidezza era impostata in macchina una tacca sopra il valore nullo; entrambe scattate con l'obiettivo 55-250mm a 55mm ad f/8, in modo da lavorare nel pieno regime di nitidezza. Le altre impostazioni si possono vedere negli EXIF dell'immagine una volta scaricata. So che a prima vista non sembra, ma effettivamente la seconda è un pelo più nitida della prima. Per accorgervi fate questo: salvate le immagini in una cartella e apritele con un visualizzatore di immagini; scorretele rapidamente e noterete dei cambiamenti (oltre al fatto che non sono allineate :D). Consiglio: fissate l'attenzione sulla scritta "Nessuno".
La prossima volta proverò in notturna e spero di avere risultati più evidenti.

How to make your photos more intresting

2008-09-02T13:40:00.007+02:00

In this post I will make a sort of tutorial to create funny frames in order to make your photographs more inviting. The software we use is Photoshop CS3 but I think that this procedure works also with CS and CS2. The basic concept is to use levels and canvas sizes in order to create additional borders. Let us see.
Here we have a photo resized for the web (524 x 800 pixels) with all the post-production steps included, that is shapening, exposure corrections and so on.

First of all, we have to select the entire image by clicking Command+A (or Ctrl+A in a PC). Now copy it (command+C) and create a new level from the copy by typing command+J.
Go on the Image menu and by clicking on Canvas Size, modify the proportion of the canvas. I suggest to you to select the "relative" option. In this example I type 90 pixels both in width and height.

Now click OK and go on the low right panel and double click on the new level icon. Here you can select the option you prefer; I've choosen the first one, external shadow and modified the values like size, opacity and so on. Play a little with that, in order to obtain the result you like. In this step I've also selected the "trace" option with a black color.

At this point you must put together the levels and, if you want, repeat the operation in order to create a new external border (select all the image, create a new level and then select the trace).
The result you should obtain is this one.

This procedure is very simple and powerful, because you can create all the frames you want. Also you can include your personal logo by the classical copy/paste action. Here is an example.

I think that you can have fun and create very beautiful things.
Goodbye

Nikon D90 + Nikkor 18-105mm VR

2008-08-28T18:47:00.002+02:00

News in digital SRL cameras never end: just a day after the launch of the Canon EOS 50D, Nikon announced its new D90, a valid substitute of the previous D80. The new D90 features a new 12.3 megapixel DX CMOS sensor, an extended ISO sensivity, the new EXPEED processor that allows to obtain greater speed and increase the quality of Live View mode and Face Detection System. Furthermore, it is able to take HD movies and it has most of the features that appears on the "old" D300 (relaced recently by the new D700).

Together with this D90, Nikon launched also a new lens, the DX AF-S Nikkor 18-105mm f/3.5-5.6 ED VR, which will be sold with the D90 kit package.

The price of this new DSRL is of about 999$ body only and 1299$ for the body + 18-105mm.

Personally, I don't know very well Nikon's DSRL, but at first sight this D90 seems to be a very good camera, with so many features that doesn't appear on the Canon EOS 50D (like the movies mode, for example) at the same price.

The benefit of this two new DSRL is that of a lower price for the earlier models, like the Canon 40D and Nikon D80.

Some links:

- Nikon Europe official press release;

- Nikon D90 dedicated page;

- hands-on preview on DPReview;

- preview of the Nikkor 18-105mm VR.

Canon EOS 50D + EF-S 18-200mm IS

2008-08-26T12:04:00.003+02:00

Today Canon offically announced the new EOS 50D, a DSRL with a 15 megapixel APS-C CMOS sensor that will take the place of the EOS 40D. The new features of this camera are in its heart: it has the new Digic 4 processor that improve the noise reduction and allows a greater speed in continuous shooting. Furthermore, the ISO speed increase up to 12800 in H2 mode. The other big news is the 3" LCD display with 900000 points and three AF in Live View mode.

The launch of this new EOS 50D is combined with the launch of the new EF-S 18-200mm f/3.5-5.6 IS, a powerful zoom lens, designed exlusively for those cameras with APS-C sensors, like the 50D, 1000D, 450D and earlier models. It has the same new image stabilizer that appears on the 55-250mm that allows to reduce by 4 stops the shutter speed.

The price of the EOS 50D is predicted to be of about € 1299 body only and it will be sold from october 2008.

Some links:

- the official Canon press release of the EOS 50D;

- the technical specs of the EOS 50D;

- some photos of this new DSRL;

- the review of the EOS 50D by DPReview;

- the official Canon press release of EF-S 18-200mm IS;

- the new EF-S 18-200mm IS by DPReview;

A nice surprise

2008-08-18T23:55:00.004+02:00

The story of this shot is strange. I was walking on a mountain road, wondering about life and photography, when I saw a group of nice violet flowers standing just in front of me. In by backpack I had the camera with my 55-250mm mounted, so I dediced to try a macro shot with that non-macro lens. After a couple of shots, just when I was going to leave the flower, a bee (or bumblebee) "landed" on it and started to do something, probably impollinating. What a wonderful occasion! But it was so difficult to follow the movements of the bee, and I was forced to set the AI Servo on my camera.

The AI Servo is used when the subject is in movement, so the camera focus every time the subject change its position. To improve the precision of the focus, I used only one AF point, the central one. Because of my lens is not a macro lens, I was forced to stay at one meter from the flower, so I had to zoom on it, shooting at 250mm. It's incredible, here, the sharpness of the scene: consider that the shutter speed was only 1/80 and ISO 100. This is the miracle of the 4th-generation Canon IS.

Like always, I shot in RAW mode and then, in the digital darkroom process, I worked a little bit on the image. For completeness, I want to show you the original shot: now you can evaluate the real power of post-production that is that of improve photographs.

Testing the Canon EF-S 55-250mm f/4-5.6 IS

2008-08-02T18:05:00.009+02:00

My new Canon EF-S 55-250mm f/4-5.6 IS really looks fantastic. The extreme power of the zoom and the large range of focal lenghts, make this lens surely the best in what concern the rate quality/price. The optics is constructed with UD glass lenses that assure low dispersion of light and low chromatic aberrations. Furthermore, they are caracterized by the Super Spectra treatment that assure that no ghosts artifacts will enter in your frames.
I've made few tests to evaluate the power of the image stabilizer, [indispensabile] at large focal lenghts, and I made a comparison between this new lens and the standard 18-55mm one.
Now, let us see the power of the zoom. All this pictures was made by shooting in P program and ISO 100, in order to evaluate the focal extension.

Focal lenght: 55mm.

Focal lenght: 100mm.

Focal lenght: 135mm.

Focal lenght: 250mm.

Very impressive.
Now, compare the EF-S 18-55mm standard lens, with this new EF-S 55-250mm. Both these pictures are taken in Av mode, with an aperture value of 7.1, ISO 100, with a focal lenght of 55mm and cropped to the 100%.

With the 18-55mm.

With the 55-250mm.

As you can easily note, the new 55-250mm is sharper that the standard 18-55mm, and also the colors are better defined and saturated. But the bigger difference between these two lenses is with an aperture of f/5.6. Indeed, in the case of the 18-55mm, this is the maximum aperture at 55mm, while for the 55-250 the max value is 4. So take a look. Both images are cropped at 100%.

With the 18-55mm at f/5.6.

With the 55-250mm at f/5.6.

The difference here is tremendous.
I have to make other tests and comparisons, but at first sight this new Canon EF-S 55-250mm IS is destinated to take a lot of wonderful photographs.

Comics-effect improved

2008-07-23T18:02:00.002+02:00

Some days ago, I told you how to obtain a comics-effect on your photographs using a kind of HDR technique. Remind that the most important rule was that to make a copy of the photo and merge to HDR with Photomatix the two pictures.

In this days I improved this technique and the result is this one:

I think that it is very beautiful. The steps that I followed are:

I corrected the original RAW photo with DDP, making it sharpner and saturate and converted in a 16-bit TIFF format.
With Photoshop I make other few corrections like brightness, contrast and color saturation.
I created two copies of this TIFF file, and merged them in Photomatix.
Here I made few adjustments like the black point, luminosity, shadows and highlights contrast. Saved again in the 16-bit TIFF format.
I opened it with Ps where I adjusted contrast, saturation and applied two times the noise-reduction filter.
Another time, two copies where created.
I merged this two copies in Photomatix, corrected and saved in the TIFF format.
In the end, I applied again the Ps noise reduction filter, corrected highlights and shadows, color saturation and contrast.

I hope you like the result as I do.

Question of exposure

2008-07-17T19:14:00.007+02:00

I did it again!

Two days ago I didn't know what to do (well, I had to study, obviously) so I took the train. Direction: Verona. That beautiful city, location of the world-wide famous love story between Romeo and Juliet. Verona is a medieval city, full of towers, old palaces, castles, and monuments. All this is sorrounded by wonderful hills and one of the longest rivers in Italy, the Adige. The weather was good, the sun shined and the sky was totally blue, without any clouds.
I took about 240 shots, but not all are good: some aren't sharp, some overexposed, some underexposed, some pictures are not so well composed and other simply are not interesting. In order to have an improved flexibility in what concern the post-production operations, I shoot always in RAW mode. In this way, I had the possibility to make all the important regulations (like white balancing, sharpness, contrast, saturation and other things) on my computer with its processor that is more powerful and accurate that that of the camera.
The major problem was that of the exposure: whene photographing with the sun behind me, there wasn't any problem. I just overexposed of 1/3 using the evaluative metering mode and the results were pretty good. On the other side, when the sun was in front of me, the photos were all dark. This is fundamentally due to the fact that the metering system of the camera takes the sky as a strong light source so, in order to obtain the correct exposure, it underexpose automatically of one or two stops. But that "correct exposure" is that of the sky! In that way, the subjects are all dark. To solve this problem, one usually overexpose of one or more stops, in order to have the right light balance.
However, in extreme conditions, even this technique doesn't work very well. Here is an example.
In this photo the metering mode was evaluative and the exposure compensation was of +1/3.

Exif: program Av, Tv 1/125, f/8, ISO 200.

Note that the sky is completely washed out, and this is impossible to correct in post production. So, when I saw this result I took another photo measuring the exposition on the sky, blocked it, and re-composed the frame overexposing by +2/3. The result is the following.

Exif: program Av, Tv 1/500, f/8, ISO 200.

Here, you note immediately that the sky is well exposed, but you cannot say the same for the castle: it is very dark. But, in contrast to the previous example, here you can correct the photograph in post-production, because you can extract some detail from the dark parts. But, you know, I prefer to have a right exposed photo, in order to minimize the post production operations. So I proceeded in this way: I measured the exposure on the sun, blocked it, re-composed the frame overexposing by two stops. The result is this.

Exif: program Av, Tv 1/250, f/8, ISO 200.

Here you see that the sky is only a little bit washed out but you can correct it, and the castle is right-exposed.
Clearly, it doesn't exist an universal method to obtain the right exposure. I want to underline the fact that here you can achieve the same result by modifing both aperture and shutter speed. I mantained an aperture value of 8 and varied the Tv. But you can do the inverse. What matters here is the precise combination of both values and the metering mode.

Anyway, in this page you can find the best photos (well, you'll find that photos that I consider the best!) of Verona, so take a look.

Things about photography

2008-07-11T10:31:00.003+02:00

On the Digital Photography School website I found a 100-things-about-photography list that is very useful. So I report here not all the 100 things, but only the more important ones.

Enjoy what you are shooting.
Pay attention to your thoughts and emotions while you are shooting.
Set goals you can achieve.
Write tips about photography, beacuse writing is also learning.
Never go shooting without a tripod.
Watch the place you want to shoot first wirth your heart then with the camera.
Perspective is the killer.
Keep your camera clean.
Find your own style of photography.
Try to compose more and to hit the shutter less.
Take care of the golden ratio.
10mm rocks!
To give a landscape photograph the extra boost, integrate a person.
Always shoot in RAW.
Discover the things you think are beautiful.
The best equipment is that what you have now.
You can't take photographs of everything.
Pay attention on the different ways that light falls on different parts of your scene.
The eye moves to the point of more contrast.
Clouds increase the atmosphere of a landscape.
Start a photoblog.
YOU ARE NOT YOUR CAMERA.
Always turn around, sometimes the better image is behind you.
It's who's behind the camera, not the camera.
Shoot as often as possible.
Re-check your ISO settings. It's aweful to detect the wrong settings on your screen.
Try to amplify your mental and physical limits. Take some extra shots when you think "it's enough".
Pay attention to structures in the sky and wait until they fit into structures in the foreground.
Ask yourself: what do you want to express in your images?
Photography is never a waste of time.
A better camera doesn't guarantee better images.
Post processing = optimizing your image to te best result.
If you have an idea an immediately you think "no, this is not going to work", do it anyway. When in doubt, always shoot.
There will always be people who will not like what you are doing.
Henri Cartier-Bresson was right when he said: "YOUR FIRST 10,000 PHOTOGRAPHS ARE YOUR WORST."

I hope that you will find this brief list useful. To learn more, see the original article here.

Shooting in Venice

2008-07-08T21:00:00.005+02:00

Finally, today I had some time to dedicate to photography, so I picked up my D-SRL camera and went to Venice. The weather was not of the best, but it was good enough to let me take a lot of photos. Unfortunately I had only 4 hours, so I didn't walk all over the city but only in famous places like Rialto and San Marco. The purpose of this photo-walk was that of improve my composition technique together with obtaining the right exposure in different light conditions. The white clouds didn't help me in this, so I had to compensate the under exoposure of the on-board metering system, over exposing of about one stop. However, sometimes, the over exposure produced washed out highlights. Anyway, here are some of the best results of today. Let us comment the single shots.

Exif: Program Av, Tv 1/200, f/6.3, ISO 200, RAW

I take this picture on the Riva degli Schiavoni near Palazzo Ducale. This photo originally was a color RAW image, but converted in post-production via Canon Digital Photo Professional: at this step I adjusted the sharpness and added a digital green filter. Then, in Photoshop, I rotated the frame in order to align the horizontal lines. In the end, I cropped the center of the picture, isolating the boats and the two bridges.

Exif: Program Av, Tv 1/500, f/6.3, ISO 200, RAW

Also this photo is a crop of a bigger one. I take this picture on Rialto Bridge, facing the right side. Even this is a JPEG-converted version of the RAW image, adjusted in sharpness with DDP.

Exif: Program Av, Tv 1/250, f/6.3, ISO 200, RAW

This afternoon Venice was very crowded, expecially near Piazza San Marco and Rialto. Well, it's summertime, so the turists are so much. As usual, the RAW file was converted via DDP, adjusting sharpness and saturation. Then, in Photoshop, I modified the curves and added a contrast mask.

Exif: Program Av, Tv 1/640, f/6.3, ISO 200, RAW

San Giorgio Maggiore island is just in front of San Marco Square, so I decided to take this picture. Probably, this is the most unsignificant photo, but I like it anyway. Usual post-production corrections.

These are only four of the many shots I have taken, so stay tuned on my Flickr page for further updates. Note that I've also created two HDR versions of Canal Grande, seen from Rialto. When I finish the producing work, I put them online.

Let me know what do you think about these photos, thank you.

How to: Resize with Automator

2008-06-30T21:51:00.009+02:00

Have you ever wondered how to resize your photos in a quick and easy way? Well, for those of you who own a Mac, this thing can be done quickly by a simple workflow with Automator. Here I'll write a sort of tutorial in which I'll explain how to resize and rename a picture or a group of them.
So, first, go to your Applications folder and open Automator. If you use Leopard, the window is this: you must choose the Ad Hoc option.

Now you'll get the main window: in the left column there are all the available actions and on the right there is an empty space where you'll put the selected actions by a simple drag-and-drop operation.

The first action you have to import is that of "Obtain Specified Elements in Finder": you find this in the Documents and Folders library: drag and drop this action into the left panel.

Then, you select the "Copy Finder Elements" action and import it on the right. Here you can specify where do you want to put your resized pictures. I've choosen the Desktop folder for clarity.

Then, go in the Preview library (if you use Tiger) or in Photo library (if you run Leopard) and import the Resize Pictures action. Here you can specify what will be the dimensions of the new picture and you can choose to specify it in percentage or in pixels of the longest side of the picture. I've choosen this second one and specified 800 pixels.
The next move is to rename the file, so import the dedicated action (found in the Finder library) and specify the way you want to rename the picture. I've choosen to add a short string at the end of the file name ("_B" in my case). So the final result should look like this:

At this point, save this workflow choosing "Save as Plugin for the Finder". Now, you are ready to resize you picture simple by right-clicking on a picture, choosing “Other”, than “Automator” and selecting the Resize option you have already created.
Simple, easy, quick: the power of Mac.

Note: all the figures here refer to the italian OS X 10.5 but I think that it's the same in other languages.

Comics-effect

2008-06-21T18:17:00.002+02:00

Probably, you have seen this picture before. But here, there are some post production features that I want to discuss with you. The most visible is a kind of comics-blurred effect. To obtain this, you have to follow these steps:

First, you take the original picture and make two copies of it.
Second: open Photomatix, click on Automate, then on Generate HDR.
The program will ask you the photos to open as HDR. You must select the copies just created and ignore the message of exposure by clicking OK.
Once the HDR image is created, click on Tone Mapping.
Then, if you want, you might adjust it and then save it.

Now you can re-iterate these operations, creating two copies of the HDR image just saved. At the end of every cicle the colors will appear more saturate, so consider to desaturate them by using the appropriate Photoshop function. Furthermore, in order to obtain the blurred effect, I added the noise reduction filter in Photoshop, reducing the details percentage. At this point I have modified the tone curves and the proportions between lights and shadows.
This first result is not so wonderful, but I have to improve this technique that I find very nice.

Experimenting with B&W

2008-06-15T14:04:00.003+02:00

In these days I have no time to improve my photographic technique, but I'm experimenting black and white (hereafter B&W) photography. I have to admit that I prefer colored pictures, but actually even B&W could be funny.

Indeed, as in colored photos, even with B&W you have to take enough time in the digital darkroom. Obviously, the parameters you have to modify are less than the previous cases, but you still obtain nice results.

Here I post two photos (larger versions can be found by clicking on the thumbnails, re-directing you to relative Flickr pages) that have been corrected in some parts with different editing programs.

In the first photo there is something like a barbed wire on a blurred fields and hills background. At the moment of the shot, the problem I had in mind was that of highlighting the wire but, at the same time, not to loose too many details of the background. There was another problem: it has just started to rain and I had not the time to adjust properly the settings of my camera. So I shot in "P" program (something like a semi-authomatic mode) in JPEG with only the B&W setting selected. The result is amazing: the wire is visible and you still can distinguish the background (I mean: you see the blurred hills and fileds, but that's enough to contextualise the wire). At home, I imported that picture in Apple's iPhoto and adjusted it working on sharpness, color tone, contrast and levels. The result is this.

Exif data: 1/200, f/10, 18 mm, ISO 200, P program

The second picture is a classical landscape photo. Once again, I shot in "P" mode, JPEG quality and with the digital B&W filter. At home I adjusted that picture working with Photoshop: I added two levels (curves and levels) and regulate them in order to have an improved contrast on the dark tones. Indeed, with B&W you have to make sure that white is white and black is black. Also the midtones - the so-called grey scale - is very important: that's why I had to work on the levels. Anyway, the result is this.

Exif data: 1/250, f/11, 55 mm, ISO 200, P program

I hope you like those first attempts in taking B&W photos. Let me know what you think about that.

Canon EOS 1000D

2008-06-10T12:20:00.006+02:00

The indiscretions are confirmed: today Canon Europe officialy released the new DSRL camera, the EOS 1000D. The reason that pushes Canon to produce another entry level camera is “to take the next step in creative photography”, and the new EOS 1000D “offers the perfect entry point to the world of D-SRL”.
The most important feature of this new DSRL is the lightest body ever produced by Canon for the EOS digital systems. The material is plastic and the weight of the body is of about 450 g. The other features are a combination of those of the 350D, 400D and 450D. From the “old” 350D the new 1000D has the same number of AF points (seven) but it is not possible to control them in manual mode. From the 400D, the 1000D has the 10 megapixel CMOS sensor, Picture Styles and the 2.5” LCD screen, and from the 450D it has the Live View mode and the SD/SDHC card slot. Obviously, it is compatible with Canon Speedlight flashes and with Canon EF-S and EF lenses. For the full list of specifications see here.
It will be sold in the kit version with Canon EF-S 18-55mm IS lens at a price of about 750 € (provisional).
In my opinion, the new EOS 1000D is useless because there is not the need of this camera. There are already the 400D and 450D for that price and with the same features. Indeed, I see no reasons why I have to spend 750 € for a camera that have less feature of the 400D and it costs 150 € more. I think that Canon should evaluate carefully its strategy and it should concetrate more on the professional side of digital photography.
Anyway, here some useful links.
- The official press release (PDF)
- Images of the new EOS 1000D
- Official web site

- DP Review - detailed analysis

EDIT: rumors indicate that the price should be around 500 €, not 750 €. We'll see.

Photographing in Slovenia

2008-06-08T21:49:00.008+02:00

Today I finally had the opportunity and time to devote myself to photography, especially in the composition of frames. The beautiful locations of these shots are the hills near the italian border with Slovenia, where between 1915 and 1918 Italians and Austrians fought hard, resulting in the famous Battle of Caporetto. Hence, I visited the trenches and taken so many photos. As I explained earlier, I focused my attention in the composition, expecially in the "rule of third". I also tried to improve my technique; however, the results are not so exciting: indeed I shooted almost all the photos in "Apeture Priority" mode, with an aperture of about f/5.6. That is: the depth of field isn't very large. Furthermore, I shooted only in JPEG mode, so the quality is not of the best. Another feature, common in all the shots, is the fact that I used the circle polarizing filter in order to avoid the reflections (it had just rained) and to saturate colors.
Anyway, take a look to the photos and let me know what do you think about them.

Lonely

The Trench

Going There

The Valley

These are only few shots. To see more, stay tuned on the corresponding Flickr's Set (named, of course, "Caporetto").

The Rule of Third

2008-06-07T00:07:00.005+02:00

The 'rule of third' is probably the most fundamental rule in photography. It consists in mentally dividing your viewfinder or LCD screen in nine parts, resulting in nine sub-frames of your picture. You can follow the imaginary lines to compose the frame: you can use those lines to include your subject, or separate two or more different subjects including them into different sub-frames. But also, you can allign the main subject(s) to one of these lines.
I think that this rule involves so much the symmetry of a scene: breaking this rule means, basicaly, breaking the symmetry. It will be so difficult to obtain stunning pictures without this symmetry: only the true artists can do this. For us, common human beings, it's best to follow this rule, at least in its general aspects.
This is the reason why I started to look at all my old pictures with this rule in mind. I admit that I haven't found so much material to work on, but I found a nice photo taken last saturday in Venice. I shooted it in RAW mode and the result was a very bad photo. However, I decided to work a little bit on it, and the final result is this.

Exif data: 1/4000, f/5.6, 55mm, ISO 800, Aperture Priority

Well, I agree with you: it doesn't say anything but it's a good example of the rule of third. Indeed, as you can see in the following figure, there are some of the lines in the scene that are alligned with the lines of the sub-frames.

Take for example the first column in the left: the front of the building is completely included in that. Also take the central column: the church front (or back?) is once more included. Yes, I know that this shot isn't amazing, but I think that it gives you an idea of how this mechanism works. Undoubtedly, when finally I will have some time for me, I'll improve this rule, shooting more impressive scenes.

RAW vs JPEG

2008-06-05T21:39:00.005+02:00

RAW or JPEG? This is the ethernal dilemma of digital photographers. Let make some clarity about these two formats. JPEG stands for Joint Photographic Experts Group, a compressed format particularly suitable for web publishing or emailing or other digital uses. If you want print your photos or post-processing them, than choose the RAW way. RAW is not an acronym, but it's a format that is not compressed and offers you several more possibilities to elaborate your pictures in the digital darkroom process. RAW is everything that the sensor of your camera sees at the moment of the shot. Instead of JPEG picture, which are compressed via the internal processor of the camera, the RAW images are exactly what sees the sensor, which is nearly what your eyes see.

I personally use JPEG quality if I have to shoot only for fun: if I don't want to lose so much time in front of my computer, I choose immediately JPEG. Instead, if I want to create particular images (HDRs or other things) I prefer the RAW way: using various type of software (like Canon Digital Photo Professional or Adobe Photoshop) I can modify easily several parameters like sharpness, contrast, saturation, white balancing, picture styles, RGB channels and many others. For digital elaboration purpose the RAW format is the best choice, I think.

But, if you want to use JPEG format also for post-production, you can do this thing: I've said that this format is compressed, so when elaborating a JPEG image, the result is a new JPEG image with a loss of information. To avoid this, the first time that you open the JPEG image with a photo editing software, you save it as a TIFF image. Then, you can proceed to elaborate the TIFF file without any loss of detail and information.

There is also another difference between the two formats: JPEG mode easily handles low contrast scenes, while RAW images handle wide-contrast scenes and highlights better than JPEG images. That is, RAW format has a bit more tolerance in the highlight areas of a scene, so one has a better chance of not getting overexposed images. Hence, when you take a picture, look carefully at the contrast range of the scene: the higher the contrast, the more you should consider shooting in RAW mode.

However, if your purpose is to take consecutive frames in order to capture an action (like in sport photography), you should consider the dimension of image files. In the best quality, JPEG images occupy 3 Mb, while RAW pictures about 8 Mb. So it will take more time to your camera to save RAW images in the memory card than JPEGs. Therefore, if you want to capture a high speed action sequence, choose the JPEG format.

These are my advices, but there is another way you can go through: if your camera has the function of shooting both in RAW and JPEG (sometimes called RAW + JPEG), than choose this. For every frame you will have a JPEG file and a RAW file, so you can decide what do you want to do with these.

Personally, I use RAW mode when I have to make impressive shots and JPEG mode if I want to take pictures for fun. Anyway, go out and shoot: this is the best thing you can do. Everytime.

Welcome

2008-06-04T23:02:00.000+02:00

Welcome on this blog. Here we'll talk about digital photography together with image post-processing and some tips & tricks about this beautiful art.
I have to say some things before starting this new experience: I'm italian, so my english is not perfect, but I hope that you'll understand the most important concepts that I will explain here. Another thing is the fact that I'm a beginner in this field, so in this blog I'll tell you my new experiments with some tricks that I'll find to be useful in order to obtain good looking photos.

My passion - digital photography - has ancient origins. Since I was I child, I always looked at my grandfather film camera with curiosity, wondering of what mechanism could permit to light to draw beautiful images with vivid colors such as those old slides and prints. Unfortunately, this curiosity soon desappeared, and serveral years passed until, about one year ago, I started again intresting in photography. I still have my grandfather's film camera, but I prefer to take the digital way for several reasons. The first is clearly the differences between the cost of film photos and the digital ones: the latter has almost zero-costs and almost infinite possibilities. Indeed, while with film photos you have a limited number of available shots, with digital cameras you have the great possibility to delete the picture you have just taken and take a new one. Furthermore, you can adjust the sensibility of the sensor (the ISO parameter) every time you need, dependeng on the light conditions.

Now, let me tell you few other things. In the right sidebar I will add some useful links to digital photography websites and it will be updated regularly (I hope). There is also the link to my Flickr page, where you can find many of my shots.

But now, let the photos speak! The first picture I post here is a photo that I took some days ago when I was in Venice. It isn't so much wonderful, but I like so much the colors of the trees and the sky.

Shot in RAW quality and adjusted with Photoshop CS3.